STANLEY TURRENTINE

Stanley William Turrentine, conocido artísticamente como Stanley Turrentine, nació el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh (Pensylvania) y falleció a la edad de 66 años en Nueva York el 12 de septiembre de 2000. Saxofonista tenor y compositor estadounidense de jazz.

Figura legendaria de su instrumento, el estilo de Turrentine abarca el hard bop y la jazz fusion. Su manera de tocar se caracteriza por un sonido barroco, denso, enraizado en el blues, y por una constante imaginación y sensibilidad en la improvisación. Su obra más característica son sus sesiones de soul jazz para Blue Note en los años sesenta y una popular aproximación a la fusión a comienzos de los setenta. Turrentine comenzó su carrera tocando con diversos grupos de blues y de R&B, muy influido musicalmente por Illinois Jacquet. En 1950 y 1951, tocaba con Ray Charles en la banda del guitarrista de blues Lowell Fulson. 

Más tarde, se uniría a la banda liderada por Charles.​ En 1953 reemplazó a John Coltrane en la primera banda de jazz y R&B del altista Earl Bostic. Tras su paso por el servicio militar a mediados de los cincuenta, Turrentine se unió al grupo de Max Roach; conoció a la organista Shirley Scott, con quien se casó en 1960 y con la que grabaría frecuentemente en los más de 30 años que estuvieron juntos.Tras trasladarse a Filadelfia, Turrentine consiguió buena química con otro organista, Jimmy Smith, al que aompañaría, entre otros discos, en su clásico de 1960 Back at the Chicken Shack. 

También en 1960, Turrentine empezó a grabar como director de banda para Blue Note, concentrándose preferentemente en pequeños grupos de soul jazz y tocando temas clásicos como That's Where It's At, pero también grabando con The Three Sounds (en el disco Blue Hour, de 1961) y experimentando con más amplios conjuntos a mediados de los 60. A comienzos de la década de 1970, Turrentine se convirtió en un popular puntal del nuevo sello del productor Creed Taylor, CTI,​ orientado a la jazz fusion; grabando cinco discos para el sello. 

Tuvieron una buena aceptación popular y fueran artísticamente valiosos, y la opinión crítica fue más favorable que la que recibió a finales de los setenta por su trabajo para Fantasy Records. Por lo demás, Turrentine siguió grabando con profusión y regresó al soul jazz en los 80 y en los 90. Turrentine murió de un infarto en la ciudad de Nueva York el 12 de septiembre de 2000. Fue enterrado en el cementerio de Allegheny de Pittsburgh.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Look Out! (Blue Note, 1960) 

Blue Hour, con The Three Sounds (Blue Note, 1960)

Up at Minton's, Vol. 1 (Blue Note, 1961)

Dearly Beloved (Blue Note, 1961)

Z.T.'s Blues (Blue Note, 1961)

That's Where It's At (Blue Note, 1962)

Soul Shoutin' Shirley Scott with Stanley Turrentine (Prestige, 1963)

Let It Go (Impulse!, 1964)

Prayer Meetin' (Blue Note, 1964) con Jimmy Smith 

Joyride (Blue Note, 1965)

Easy Walker (Blue Note, 1966)

The Spoiler (Blue Note, 1966)

Look of Love (Blue Note, 1968)

Another Story (Blue Note, 1969)

Sugar, con Freddie Hubbard, Hank Crawford, Hubert Laws, el organista Butch Cornell, Johnny "Hammond" Smith (órgano y piano eléctrico), Lonnie Liston Smith, George Benson, Ron Carter, los bateristas Billy Cobham y Billy Kaye, y el percusionista Airto Moreira (CTI, 1971).

Gilberto with Turrentine, con Astrud Gilberto, Eumir Deodato, Toots Thielemans, Ron Carter, Dom Um Romão y Airto Moreira, entre otros (CTI, 1971).

Salt Song (CTI, 1971)

Cherry, con Milt Jackson) (CTI, 1972)

Don't Mess with Mister T. (CTI, 1973)

The Basted Turrentine (CTI, 1973)

Pieces of Dreams (Fantasy, 1974)

The sugar man (CTI, 1975)

The Man with the Sad Face (Fantasy, 1976)

Nightwings (Fantasy 1977)

What About You! (Fantasy, 1978)

Betcha (Elektra, 1979)

Inflation (Elektra, 1980)

Mr. Natural (Blue Note, 1981)

Home Again (Elektra, 1983)

The Best Of Mister T. (Fantasy, 1989)

Easy: Plays The Pop Hits (Blue Note, 1998) 

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

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BARNEY KESSEL

Barney Kessel, nació el 17 de octubre de 1923 en Muskogee (Oklahoma) y falleció de un tumor cerebral, a la edad de 80 años, el 6 de mayo de 2004 en San Diego (California). Guitarrista de jazz estadounidense.

Fue miembro de muchos grupos importantes de jazz así como una "primera opción" en sesiones de estudios de grabación, películas y grabaciones para la televisión. Kessel fue miembro del grupo de músicos de sesión conocidos como "The Wrecking Crew". Comenzó su carrera de adolescente con bandas de baile locales. Cuando tenía 16 años, comenzó a tocar con la banda de Oklahoma A & M, "Hal Price & the Varsitonians". Los miembros de la banda lo apodaron amorosamente "Fruitcake" porque ensayaba hasta 16 horas al día. Luego pasó a bandas como la dirigida por Chico Marx. Rápidamente se estableció como un guitarrista de jazz clave de la época post Charlie Christian. En 1944 participó en la película "Jammin 'the Blues", que incluyó a Lester Young, y en 1947 grabó con New Stars de Charlie Parker en la sesión de Relaxin' At Camarillo para Dial Records. Fue calificado como guitarrista número 1 en Esquire, Down Beat y Playboy entre 1947 y 1960.

Kessel era conocido por su innovador trabajo en trío de guitarra. En la década de 1950, hizo una serie de álbumes llamados The Poll Winners con Ray Brown en el bajo y Shelly Manne en la batería. También fue guitarrista en el álbum Julie Is Her Name (1955) de Julie London, que incluye el estándar "Cry Me a River"; Esta canción ofrece un solo de la guitarra de Kessel que ilustra su acercamiento melódico en un pequeño grupo de jazz. También de los años 50, sus tres volúmenes de estándares contienen algunos de su trabajos más pulidos. Kessel fue también miembro del trío de Oscar Peterson con Ray Brown durante un año, dejándolo en 1953. También tocó con Sonny Rollins a finales de los años 1950 y puede ser escuchado en el álbum de Sonny Rollins, Contemporary Leaders en canciones como "How High the Moon".

En 1957, Barney Kessel fue presentado a la fábrica de guitarras Kay Musical Instrument Company mientras tocaba en un club de jazz local en Chicago. Le ofrecieron tres modelos de guitarra con su firma, la K1700 (Pro), la K6700 (Artista) y la K8700 (Jazz Special) y cada una llevaba su firma grabada en la parte inferior del pickguard (el golpeador). En 1960, Barney dejó Kay, pero la producción de estas guitarras continuó sin su firma. En 2014, la Kay Guitar Company, que trabajaba estrechamente con la viuda Phillis de Kessel, obtuvo los derechos de licencia de la firma Kessel para reeditar estas tres guitarras. Kessel fue guitarrista de estudió para Columbia Pictures durante la década de los 60, y se convirtió en uno de los guitarristas de sesión más demandados en Estados Unidos.

Es considerado un miembro clave del grupo de músicos de sesión conocidos como "The Wrecking Crew". Tocó en cientos de grabaciones famosas, incluyendo los álbumes y los singles de Phil Spector, The Beach Boys, The Monkees y muchos otros. Apareció en una actuación interpretando a un guitarrista de jazz llamado "Barney" en un episodio del programa de televisión Perry Mason. En 1961 Gibson Guitar Corporation produjo la guitarra modelo Barney Kessel y continuó haciéndola hasta 1973. Durante la década de los 70, Kessel presentó su seminario "The Effective Guitarist" en varios lugares alrededor del mundo, y actuó extensamente con Herb Ellis y Charlie Byrd como The Great Guitars. En el álbum Scoop de 1983 de Pete Townshend, Townshend rindió homenaje al guitarrista con la canción instrumental "To Barney Kessel".

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Relaxin' At Camarillo (Charlie Parker, Dial Records, 1949)

Easy Like (Contemporary 1953–55 [1955])

Kessel Plays Standards (Contemporary, 1954–55 [1955])

To Swing or Not to Swing (Contemporary, 1955) con Sweets Edison, Georgie Auld, Jimmy Rowles

Julie Is Her Name (Julie London, Liberty, 1955)

Music to Listen to Barney Kessel By (Contemporary, 1956)

Plays Cole Porter (Oscar Petrerson, Columbia, 1956)

The Poll Winners (Contemporary, 1957) con Shelly Manne y Ray Brown
The Poll Winners Ride Again! (Contemporary, 1958) con Shelly Manne y Ray Brown

Carmen (Contemporary, 1958)

Sonny Rollins and the Contemporary Leaders (Contemporary, 1958)

Some Like It Hot (Contemporary, 1959)

Poll Winners Three! (Contemporary, 1959) con Shelly Manne y Ray Brown

Barney Kessel's Swingin' Party (Contemporary, 1960 [1963])

Exploring the Scene! (Contemporary, 1960) con Shelly Manne y Ray Brown
Breakfast at Tiffany's (Reprise, 1961)

Bossa Nova (Reprise, 1962)
Feeling Free (Contemporary, 1969)

I Remember Django (Black Lion, 1969) con Stéphane Grappelli

Two Way Conversation (Con Red Mitchell, Sonet , 1973)

The Poll Winners – Straight Ahead (Contemporary, 1975) con Shelly Manne, Ray Brown

Great Guitars (Con Charlie Byrd & Herb Ellis), Concord Jazz, 1975
Solo (Concord Jazz, 1981)

Spontaneous Combustion (Contemporary, 1987) con el Monty Alexander Trio

Red Hot and Blues (Contemporary, 1988) con Bobby Hutcherson, Kenny Barron, Rufus Reid, Ben 

       

Fuente: wikipedia

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JOHNNY HODGES

John Cornelius Hodges,conocido artísticamente como Johnny Hodges, nació el 25 de julio de 1907 en Cambridge (Massachusetts) y falleció a la edad de 62 años en Nueva York el 11 de mayo de 1970. Músico de jazz, saxofonista alto y soprano, extraordinario e inigualable, y uno de los tres saxofonistas altos más influyentes y reconocidos de la historia del jazz junto con Benny Carter y Charlie Parker. 

La sonoridad de Johnny, es transparente y tensa, a la vez que amplia, delicada y de indefinible belleza. Su nombre permanecerá escrito en la historia del jazz, como uno de los solistas más determinantes de la gran orquesta de Duke Ellington en la que ingresó en 1928 con apenas veintidós años y que no abandonaría hasta su muerte. Fue un grande a la hora de la improvisación, y sus ideas sorprendentes, y su sonido melodioso, pulcro, y lírico, crearon escuela entre los saxofonistas. La historia del Jazz suele escribirse según las revoluciones que cada artista ha protagonizado, por el mérito de "ir más allá que los demás". De este modo, Louis Armstrong fue el primero en darle importancia a un instrumento solista... sin él no habría un Miles Davis, ni un John Coltrane... sin él, probablemente otro habría llegado a ese mismo punto, pero Louis Armstrong además tenía un talento descomunal. Coleman Hawkins, por ejemplo, fue el primero en interpretar un tema sin prácticamente tocar dicho tema, sólo esbozando la melodía y luego volando libremente... sin él no habría un Charlie Parker, ni un Dave Brubeck... sin él, probablemente otro habría llegado al mismo punto, pero es que Coleman Hawkins además tenía un talento inmenso. 

Y se pueden decir cosas parecidas de gente como Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Charles Mingus y muchos otros gigantes del jazz. Pero al contar una historia del jazz basándose en estas proezas, suele pasar que músicos como Johnny Hodges sólo tengan una pequeña mención sin importancia, y eso es una injusticia, porque talento, a Johnny Hodges le sobraba. Sus primeros pasos en el jazz los dio con el clarinetista de New Orleáns, Sidney Bechet. De Bechet, aprendió a usar el saxo soprano, instrumento que Hodges tocaría alternativamente con el saxo alto hasta 1940 en el que adoptó definitivamente este último. Posteriormente pasó efímeramente por las bandas de Lloyd Scott, Chick Webb, Luckey Roberts y Willie "The Lion" Smith. Finalmente llegaría a Ellington con quien pasó toda su vida siendo un elemento indispensable en su orquesta durante los años treinta y cuarenta. En los pupitres de Duke Ellington, Johnny Hodges, enriqueció con su sonido, la ya de por sí impecable sección de vientos de la orquesta con un sonido innovador, original y de una pulcritud innegable. 


En los tempos lentos (a los que Ellington le ligaba frecuentemente) emocionaba mientras que en los tempos rápidos desarrollaba un swing irresistible, lo que le hizo el saxofonista alto más popular de los años cuarenta y cincuenta. Los otros miembros de esa estelar banda fueron junto con Johnny Hodges, Harry Carney en saxofón, el clarinetista Barney Bigard, los trompetistas Rex Stewart y Cootie Williams (quien fue reemplazado por Ray Nance en 1940) y los trombones de Joe Nanton, Juan Tizol y Lawrence Brown, Sonny Greer en batería y “el pianista”, como Ellington solía referirse a sí mismo. Fuera de la orquesta de Ellington, abanderó varias bandas con miembros inclusive de la propia orquesta ellingtoniana que resultaron ser igualmente magníficos. Animado por Norman Granz, promesas de más notoriedad, más éxito y más dinero hicieron que desde 1951 a 1955, Hodges haga un paréntesis con Ellington para formar su propia banda, con la que tuvo un hit con "Castle Rock", de la que el mismo Duke era músico invitado y donde John Coltrane tocó durante el último año. 

Sus encuentros con otros músicos también son importantes, dando muestras de que era capaz de generar swing con su saxo con independencia de la formación en la que tocara. Son destacable sus encuentros con el organista Wild Bill Davis, con el trompetista Dizzy Gillespie, y con los pianista Earl Hines o Teddy Wilson. Grabó su nombre a una treintena de discos. De ellos dos sobresalen con luz propia. El primero grabado con la orquesta de Ellington y en la que el "Duke" le permitió liderar la sesión y editar el disco a su nombre, un privilegio nunca concedido a ningún otro miembro de la orquesta, titulado Side by Side grabado para Verve en 1958. El segundo, grabado en 1964 para el sello Impulse!, fue Everybody Knows con prácticamente la sección de vientos de Ellington al completo. También participó en la banda sonora de la película "Swingers".

Julio Cortázar lo admiraba, y esto quedo plasmado en "El perseguidor", que es como una pequeña "Rayuela", por las similitudes de sus personajes Johnny y Oliveira. "El perseguidor", dedicado In memoriam de Ch. P. (Charlie Parker), retrata a un Johnny Carter (donde se reúnen nombre y apellido de dos saxos memorables: Johnny Hodges y Benny Carter), que hereda aficiones de Parker: alcohol, drogas, escándalos, amoríos... Johnny es un músico arbitrario y genial, que descoloca con gestos y desplantes de intuitivo a Bruno (es decir, Cortázar), un crítico racional que está escribiendo un libro sobre Johnny. Fernando Trueba, otro declarado admirador suyo, incluye en "El baile de la victoria" el tema "What´s the rush" de Gerry Mulligan, tocado por Johnny Hodges. Cuenta el mismo Trueba que Mulligan la iba a tocar junto con Hodges, pero no pudo dejar de escucharlo. La repentina muerte de Johnny Hodges en 1970 marca el principio del declive de la banda y de Ellington. Si bien Duke continuó grabando, haciendo giras y produciendo buena música hasta su muerte, el 24 de mayo de 1974, en las grabaciones de esos años la banda ya no brilla y ocasionalmente el cansancio de su líder es notorio.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Collates (Clef Records) 1951

Collates nº 2 (Clef Records)1952

Ellingtonia '56 (Norgran) 1956
Johnny Hodges And The Elligton All  Stars (Columbia) 1956

Blues-a-Plenty (Verve) 1958
Johnny Hodges and His Strings Play the Prettiest Gershwin (Verve) 1959
Side by Side (Verve) con Duke Ellington 1959
Gerry Mulligan Meets Johnny Hodges (Verve) 1959

The Smooth One (Verve) 1960
Blue Hodge (Verve) 1961

Johnny Hodges with Billy Strayhorn and the Orchestra (Verve) 1961 
Hawkins! Eldridge! Hodges! Alive! At The Village Gate! 1962
Everybody Knows Johnny Hodges (Impulse!) 1964
Blue Rabbit (Verve) con Wild Bill Davis 1964

Swing's Our Thing (Verve) con Earl Hines 1968

Rippin' and Runnin' (Verve) 1968 
At The Sportpalast, Berlin (Pablo) 1978 
Master Of Jazz (Storyville) 1984
Jazz Masters 35 (Verve) 1994

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Texto: Rafa Hambra
Fotografía: rateyourmusic.com
Carátulas discos: discogs.com