JACKIE MCLEAN

John Lenwood McLean , conocido artísticamente como Jackie McLean, nació en el barrio neoyorquino de Harlem (Nueva York), el 17 de mayo de 1931 (1932, según otras fuentes) y falleció en su domicilio el 31 de marzo de 2006 en Hartford (Conneticut), a la edad de 74 años. Saxofonista alto de jazz, compositor y educador estadounidense. También conocido en los ambientes jazzísticos por el sobrenombre de "Jackie Mac".

Alumno de Bud Powell y seguidor de Charlie Parker, tocó con Miles Davis en los años 1951 y 1952 y con Charles Mingus entre 1955 y 1958. Después formó su propio grupo. A final de los años sesenta se retiró de los escenarios a causa de su adicción a las drogas y se dedicó a la enseñanza. Volvió a grabar en la década de los setenta con el sello Blue Note y el Steplee Chase. McLean trabajaba en la Universidad de dicha localidad norteamericana, como director del Departamento de Música Afroamericana, creado por él mismo. Tras fallecer su padre a los siete años, quedó al cuidado de su padrino, un fanático del jazz, visitante habitual del teatro Apollo, en Harlem, y futuro propietario de una tienda de discos donde el joven Jackie descubrió la música de Charlie Parker. En 1949, pisó por vez primera un escenario junto a su vecino y maestro, el pianista Bud Powell. El joven jazzista fue incluido entre la legión de imitadores de Bird. "En realidad yo pensaba que era sacrílego tocar si uno no lo hacía en la manera de Parker". 


A través de Powell, McLean entró en contacto con el trompetista Miles Davis, con quien tocó de seguido durante los años 1951 a 1952. Su compañero de sección en el celebérrimo quinteto fue el también saxofonista Sonny Rollins. Llevado por su fama de parkeriano, al tiempo que tocaba junto a Miles, McLean ejercía de suplente del propio Parker en los bolos a los que éste no acudía. Tiempos de cambio para el joven artista que, ya por entonces, andaba a la búsqueda de su propio sonido. "Busqué en Bird algo diferente que yo pudiera tocar y en cierto momento estaba llegando a algo que era mío". A mediados de los años cincuenta, McLean empezó a frecuentar la compañía de los creadores de vanguardia, como Charles Mingus. En 1957, entró a formar parte del staff de la compañía Prestige, una de las primeras compañías "independientes" dedicadas al jazz, ocupación que abandonó a los dos años para emplearse como músico y actor en The Connection. La obra, un clásico del off Broadway original de Jack Gelber, llevada al cine por Shirley Clarke, le dio la oportunidad de representar el papel hasta cierto punto autobiográfico de un drogadicto. 


Tras pasar una temporada en el penal de Rikers Island acusado de consumo de estupefacientes, a principios de los años sesenta entró en contacto con la música de Ornette Coleman quien, a partir de entonces, constituyó una influencia determinante en su obra. Bajo la influencia del revolucionario saxofonista y compositor, McLean grabó una serie de discos -One step beyond, Destination... out! a través de los cuales estableció una línea de comunicación entre el bebop y el nuevo free jazz. Su progresiva retirada de los escenarios se acentuó a partir del año 1972, con su entrada en la docencia. Aun así, siguió grabando discos a su nombre para el sello danés Steeple Chase, a menudo junto a su propio hijo y discípulo, Rene McLean; y, a partir de 1985, con Blue Note. Si bien apenas se dejó ver fuera de su lugar de residencia en los últimos años de su vida, McLean tocó en diferentes ocasiones en nuestro país e incluso llegó a grabar un disco en directo, todavía inédito, junto al pianista barcelonés Tete Montoliu.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Lights Out! 1956

4, 5 and 6 (1956)

Jackie's Pal 1957

A Long Drink Of The blues 1957

Alto Madness 1957

Jackie McLean & Co. 1957
Plays Fat Jazz 1957
McLean's Scene 1959
New Soil 1959
Swing Swang Swingin' 1959
Capuchin swing 1960
Bluesnik 1961
A Fickle Sonance 1961
Let Freedom Ring 1962
On Step Beyond 1963
Destination... Out! 1964
Action Action Action 1967
'Bout Soul 1968
Demon's Dance 1970
The meeting vol. 1-1974 (Con Dexter Gordon)
Art Blakey with The Jazz Messenger 1974
Hipnosis 1978
Vertigo 1980
The Best Of 2004

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: J. M. García Martínez/elpais.com 
Fotografía: allmusic.com
Carátulas discos: discogs.com

CHICO HAMILTON

Foreststorn (sic) "Chico" Hamilton, conocido artísticamente como Chico Hamilton, nació el 20 de septiembre de 1921 en Los Ángeles (California) y falleció el 25 de noviembre de 2013, a la edad de 92 años, en Manhattan (Nueva York). Batería estadounidense de jazz.

A lo largo de 70 años, Chico Hamilton hizo de todo: tocó con los más grandes músicos de jazz de la historia —Count Basie, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Duke Ellington o Lionel Hampton— y lideró sus propios conjuntos; escribió música para cine y televisión; enseñó los secretos del jazz en la New School University… su discografía como líder supera los 60 álbumes. En buena medida, el legado de Chico Hamilton se define por quienes tocaron en sus conjuntos. Fue un consumado catalizador de talentos de la más diversa especie, un coleccionista de personajes difícilmente clasificables; el primero de ellos, el cellista Fred Katz. Con él, y con Jim Hall, a la guitarra; Buddy Collette, a los vientos; y Carson Smith, al contrabajo, creó su primer grupo sin piano de éxito, que permaneció varios meses en el Stroller’s Club de Long Beach, no obstante la heterodoxia sutil de su propuesta musical o, precisamente, por ello mismo. Hamilton fue asociado al naciente Jazz West Coast de Gerry Mulligan y Chet Baker. Algo en lo que nunca estuvo de acuerdo: “El Jazz West Coast fue apenas una treta publicitaria. Ahora ya no me ofende que se me asocie al asunto. Lo que importa es lo que yo siento, y yo siento que toco con el mismo swing y la misma energía en Nueva York que en California”.

Años más tarde, Hamilton presentaría en sociedad a Eric Dolphy quien, a poco, estaría reclamando un lugar bajo el sol de Charles Mingus: “Eric era un genio”, recordaba el baterista, “y un ser humano bondadoso”. La lista de quienes siguieron los pasos de los mencionados en el conjunto de Chico Hamilton es virtualmente interminable: de Paul Horn, en sus comienzos como músico de jazz, a Charles Lloyd, Charlie Mariano, Larry Coryell, Arthur Blythe, Steve Potts, Steve Turre (tocando el contrabajo eléctrico), y hasta Lowell George y Paul Barrere, cantante y guitarrista, respectivamente, del grupo de rock Little Feat… con ellos, Hamilton viajó de un jazz no químicamente puro al territorio aún más ambiguo de las “nuevas músicas”, y vuelta a empezar: “el jazz es y será siempre mi amor”, declaró en su momento, por si las moscas. En 1965 se instaló en Nueva York, donde desplegaría todo su potencial como intérprete, productor y enseñante. Su obsesión por mantener el control de su obra le llevó a fundar su propia compañía de producción.

En 1989 retomó su carrera como líder con Euphoria, proyecto cambiante que absorbió todas sus energías hasta el momento de su fallecimiento y le permitió desarrollar su faceta menos divulgada de compositor. De su amplia filmografía, destaca Sweet smell of success —aquí Chantaje en Broadway—, dirigida por Alexander McKendrick en 1957. Concebida como una secuela de la exitosa "El hombre del brazo de oro", el quinteto de Hamilton interpreta su extraordinaria banda sonora; se dice que los dueños del estudio, alertados por la mala reputación de los músicos de jazz, contrataron a un equipo de detectives que siguieron al baterista y su conjunto durante 6 meses: “Querían asegurarse de que estábamos limpios. Nos estuvieron espiando a lo largo del país, porque ocurrió que durante todo ese tiempo estuvimos de gira. Al final se decidieron: ‘estos chicos están limpios. Adelante”. Chico Hamilton permaneció en activo hasta la fecha de su fallecimiento.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Chico Hamilton Quintet featuring Buddy Collette 1955

Chico Hamilton in Hi-Fi 1956

Chico Hamilton Quintet 1957

Sweet "Smell of Success" (Chantaje en Broadway) 1957

Gongs East! 1958

The Three Faces of Chico 1959 

Chico Hamilton Quintet 1959 (con Eric Dolphy)

The Chico Hamilton Special 1960

The Chico Hamilton with Strings Attached 1960

Drumfusion 1962

Passin' Thru 1962

The Dealer 1966

The Best Of Chico Hamilton 1969

His Great Hits 1971

Peregrinations 1975

Nomad 1980

Thought of... 2002

Heritage 2006

The Inquired Mind 2013

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: elpais.com

Fotografía: drummerworld.com/

Carátulas discos: discogs.com

ANITA O'DAY

Anita Belle Colton, conocida artísticamente como Anita O'Day, nació en Chicago  (Illinois) el 19 de octubre de 1919 y falleció a la edad de 87 años, a causa de una neumonía, el 23 de noviembre de 2006 en Los Ángeles (California). Cantante estadounidense de jazz.

De origen pobre, sobrevivió a los años de la Depresión actuando en los populares maratones de baile que fueron la válvula de escape para una inmensa mayoría de norteamericanos llevados a la miseria por el crack de Wall Street. Fue entonces cuando adoptó el nombre artístico que le acompañaría hasta el fin de sus días: "Me pareció que era un nombre muy enrollado porque, en el argot, O'Day significa pasta, que era lo que yo esperaba hacer". Tras ser rechazada por Benny Goodman (que prefirió a Peggy Lee), en el año 1941, se unió a la orquesta del baterista Gene Krupa, en cuyas filas militaba el trompetista Roy Eldridge. Anita formaría con Eldridge una de las parejas artísticas interraciales más singulares y menos convencionales del espectáculo. No sólo desafiaron el sistema de "apartheid" imperante en el país sino que obtuvieron un notable éxito entre los swing fans, tanto negros como blancos, con piezas como "Let me off uptown o Drummin' man". 

El carácter ferozmente independiente de la cantante -"Anita fue la típica hippy prematura", en palabras del crítico Leonard Feather- salió a la luz por el tipo de compañías que frecuentaba pero incluso por el atuendo ausente de todo glamour que utilizaba para sus apariciones en público. Una rebeca y una falda abierta absolutamente anodinas constituían su "escandalosa" indumentaria, tanto dentro como fuera del escenario. Con ello, desafiaba a los críticos y aficionados en su costumbre de juzgar a las cantantes de orquesta únicamente por su apariencia. Además, estaba lo que su atuendo dejaba ver. No en vano, por aquel tiempo, la cantante se ganó un título: el de las piernas más bonitas del jazz. Tras dejar a Krupa, cantó por un breve tiempo en las orquestas de Woody Herman y Stan Kenton (su versión de "And her tears flowed like wine" fue uno de los mayores éxitos en la carrera del discutido director de orquesta). 

Por lo demás, la vida de Anita era un torbellino sin fin de drogas, alcohol, matrimonios, abortos, divorcios... en el año 1947 fue arrestada por primera vez por posesión de marihuana. Cinco años más tarde fue nuevamente detenida y pasó una temporada entre rejas. Después de que su adición a la heroína estuviera a punto de costarle la vida, en los años sesenta, se sometió a una cura de rehabilitación gracias a la cual pudo continuar con su carrera, algo por lo que nadie hubiera apostado un céntimo, y de hecho, siguió cantando hasta los 86 años. Para el recuerdo quedan sus álbumes grabados junto al arreglista Billy May, en los años cincuenta -su momento de plenitud- para el sello Verve (Anita O'Day swings Cole Porter with Billy May, Anita O'Day and Billy May swing Rodgers And Hart); o su aparición estelar en el Festival de Newport del año 1958, recogida en el filme "Jazz on a summer's day". Anita O'Day no se consideraba a sí misma como una cantante sino una "estilista de la canción". Para el fotógrafo William Claxton fue "una mujer extremadamente inteligente con energía para mover un tren"; "una cantante con un contagioso sentido del swing y una febril practicante del scat" (Ellos y Ellas. Las grandes voces del jazz). 

En el año 1981 vio la luz su autobiografía, "Hard times, high times", escrita en colaboración con George Eells (autor de, entre otras, la biografía del actor Robert Mitchum): un "documento de una brutal honestidad" en el que repasa su controvertida existencia a cara descubierta y sin esconderse en ningún momento. El año 2007 se estrenó un filme documental sobre su vida: "Anita O'Day: Life of a jazz singer", con guión de Will Friedwald. Su paso por nuestro país fue fugaz y tardío. En 1987 actuó en el Festival de Jazz de Madrid, la primera y última ocasión que lo hizo en la capital del Estado. También cantó en Valencia, junto a la orquesta del clarinetista Buddy DeFranco; y en Barcelona, en el año 1970, acompañada por el trío del pianista francés George Arvanitas. Según su representante, Robbie Cavolina, la cantante no tenía hijos ni ningún familiar cercano.Vivió rápido pero no murió joven. Superviviente de la era dorada de las big bands y la única cantante de jazz de piel blanca comparable a las más grandes -Ella Fitzgerald, Billie Holiday o Sarah Vaughan-.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Singin' And Swingin' 1952
Sings Jazz 1955
The Lady Is A Tramp 1957
Anita O'Day swings Cole Porter with Billy May 1959 
Pick Yourself Up With Anita O'day 1 (1959)
Incomparable! 1960
Anita O'Day and Billy May swing Rodgers And Hart 1960
All The Sad Young men 1962
Time For 2 (Con Cal Tjader) 1962
The Big Band Sessions 1979
Once Upon A Summertime 1982
Compact Jazz 1993
Jazz Masters 49 (1995) 
Let Me Off Uptown! (Con Gene Krupa) 1999 
Finest Hour 2000
The Diva Series 2003

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente:elpais.com
Fotografía: fanart.tv
Carátulas discos: discogs.com