LIONEL HAMPTON

Lionel Leo Hampton, conocido artísticamente como Lionel Hampton, nació el 20 de abril de 1909 (según otras fuentes el 12 de abril de 1908, 1913 ó 1914), en Birmingham (Alabama), y criado en Chicago (Illinois). Músico vibrafonista, pianista, batería y cantante de jazz y líder de la Orquesta de Lionel Hampton.

Hijo de Charles (pianista y cantante) y Gertrude Hampton; se casó con Gladys Riddle (que se convirtió en su mánager), el 11 de noviembre de 1936. Lionel Hampton empezó sus estudios de música en la Universidad de Southern California, en 1924. Fue percusionista en la banda de jazz de los Chicago Defender Newsboys durante la escuela secundaria y percusionista y vibrafonista en la banda de Les Hite, en Los Ángeles, entre 1928 y 1932; actuó con su propio grupo de jazz en Los Ángeles, entre 1933 y 1935; fue vibrafonista con el cuarteto de Benny Goodman y ocasionalmente actuó en la banda completa de Goodman, entre 1936-40; fue líder de banda, vibrafonista, percusionista, pianista y cantante de la Orquesta de Lionel Hampton entre 1940 y 1965; líder e intérprete de jazz en la banda The Inner Circle, de 1965. Ha aparecido en varias películas, entre ellas La historia de Benny Goodman Story, de 1955; participó en programas de radio y televisión; fue director musical de la emisora de televisión WOOK, en Washington, en 1962; fue fundador de las editoriales Glad-Hamp y Who's Who in Jazz, en 1978. 

Profesor de música en la Universidad de Howard, en Washington, en 1981. Y ha realizado numerosas giras internacionales; fue comisionado de los derechos humanos en Nueva York entre 1984 y 1986; y creador de la Fundación de Jazz Lionel Hampton, creada en 1984; además fue embajador de la música en las Naciones Unidas en 1985. Durante más de cincuenta años, el jazzista y líder de banda de jazz Lionel Hampton ha cautivado a las audiencias de todo el mundo con su rítmico tambor y su exuberancia personal en la interpretación. Fue un pionero como vibrafonista de jazz, desde su actuación con La banda Les Hite y la orquesta de Benny Goodman durante los años treinta. Hampton formó su propia big band, una de las más populares y duraderas bandas de jazz de todos los tiempos. Se especializó en arrastrar, tanto a sus músicos como al público, a un frenético ritmo y se hizo famoso por la cantidad de veces que dejaba las piezas ir y venir hasta que cada solista había improvisado hasta la extenuación; una vez, incluso, en el teatro Apolo de Harlem, el público entusiasmado, saltando y bailando, hasta la locura hundió una galería y hubo que evacuar la sala. 

La banda de Lionel Hampton ha jugado un importante papel en la historia del jazz. Fue uno de los primeros jazzistas que utilizó juntos el bajo eléctrico y el órgano. Hampton desplegó sus aptitudes musicales desde niño, tamborileando siempre en las sillas o con las cacerolas y sartenes de su madre. Sus regalos de navidad siempre eran tambores para niños, que le entusiasmaron durante mucho tiempo. Pero él deseaba tocar en tambores reales, por lo que se buscó un trabajo, mientras iba a la escuela secundaria, como aprendiz en los Chicago Defender, y en una semana consiguió hacer realidad su sueño de pertenecer a una banda de jazz. Después de terminar los estudios secundarios en 1928, se fue a Los Ángeles para tocar en la orquesta de un amigo de la familia, Les Hite, en la que permaneció durante cuatro años, desarrollando sus habilidades y adquiriendo una reputación como percusionista de jazz. Cuando el famoso intérprete de jazz Louis Armstrong fue a una sesión de grabación de la banda Hite, Hampton descubrió por casualidad un antiguo vibráfono inutilizado en el estudio y trabajó con él durante una hora; la grabación de Armstrong de 1930, Memories of You, incluye el solo de Hampton, el primer solo de vibráfono en jazz que se ha grabado. 

El joven músico estaba entusiasmado con la gran versatilidad de su nuevo instrumento de percusión. Otros intérpretes de jazz habían utilizado vibráfono anteriormente, pero ninguno se había aproximado a la maestría de ritmos e invención que Hampton consiguió en este instrumento, que se había utilizado de forma decorativa hasta entonces.  En 1936 el rey del Swing, el clarinetista Benny Goodman, escuchó una actuación de Hampton tocando el vibráfono y le persuadió para que realizara una gira con él, junto al pianista Teddy Wilson y el percusionista Gene Krupa, formando el Cuarteto de Benny Goodman. El grupo consiguió rápidamente un enorme éxito con grandes temas como Dinah y Moonglow. Hampton tocaba también, de forma ocasional, percusión y cantaba para la banda completa de Goodman. Además grabó discos con otras muchas grandes bandas. Se convirtió en una de las primeras figuras de la era del swing, hasta que formó por fin su propia banda en 1940. Inicialmente su banda estaba formada por músicos comprometidos, jóvenes y desconocidos, aunque prometedores, procedentes de todo el país, y la banda reflejaba la personalidad de su líder, su vibrante naturaleza y su énfasis en la energía y la diversión. 

Dirigiendo, cantando y tocando el vibráfono y la percusión, Hampton también consiguió entretener a sus audiencias al piano con su estilo inimitable trigger-finger: solo tocaba con los índices. Comenzando por el éxito de 1941 Flying Home, Hampton y su orquesta dominaron el terreno de la big band durante las siguientes dos décadas. Cuando se hizo evidente, en los inicios de los años sesenta, que los días de las big bands habían terminado, creó The Inner Circle, una banda de ocho músicos, aunque todavía reunía a la big band en ocasiones especiales. Realizó gran número de giras benéficas desde los años cincuenta y llevó el espectáculo del jazz a gente de todo el mundo; trabajó duro para que se enseñara la herencia musical de los afroamericanos en las escuelas y universidades, así como en otras causas políticas y sociales. Lionel Hampton falleció en Nueva York el 31 de agosto de 2002. a la edad de 94 años

DISCOGRAFÍA,

12 ÁLBUMES seleccionados:

Play Love Songs, Verve

Travelin' Band, Verve

Gene Krupa-Lionel Hampton-Teddy Wilson con Red Callender, Verve

The Hampton-Tatum-Rich Trio, Verve. 

King of the Vibes, Verve. 

Airmail Special, Verve. 

Flying Home, Verve. 

Swinging With Hamp, Verve. 

Hamp, Verve. 

Hamp's Big Four, Verve. 

Hamp and Getz, Verve. 

Lionel Hampton and His Giants, Columbia

Carpetas del resto de los ÁLBUMES mencionados:

Fuente: mcnbiografias.com

Fotografía: commons.wikimedia.org

Carátulas discos: discogs.com

CHRIS BARBER & HIS JAZZ BAND

Chris Barber (17-4-30, Welwyn Garden City, Hertfordshire, Inglaterra) es el gran héroe ingles en la conversión del jazz y la instauración del rhythm & blues en Gran Bretaña, pasando por la moda del skiffle, que dominó las Islas a finales de los 50 y comienzos de los 60. Barber forma en 1949 su primer grupo, tocando el trombón, después de haber sido músico en abundantes bandas, entre ellas la Cy Laurie’s Orchestra en 1949. El transvase del jazz al blues, que pasa por el skiffle, y el gran instinto evolutivo de Baber, convierten sus grupos en una fuente de progresión constante. 

La entrada de Lonnie Donegan (29-4-31 a 3-11-2002, guitarra, voz, banjo) hará que pase a utilizar estrictamente una sección de ritmo como acompañamiento, y, cuando Lonnie Donegan le deje para seguir en solitario, Barber iniciará su gran etapa experimental invitando a tocar con él a todos los grandes del rhythm & blues en gira por Inglaterra, o uniéndose a ellos en sus actuaciones. Big Bill Broonzy, Muddy Waters y muchos más serán introducidos por Chris en Inglaterra, despertando el interés por el R&B, que cambiará las bases del pop inglés en los primeros años 60, especialmente tras la visita de Waters en 1958. Cuando Barber invita a Cyril Davies y Alexis Korner a unirse a él para unas actuaciones, está creando el definitivo nexo que conduce al cambio musical en la Inglaterra de los 60.

Con Ottilie Patterson, su esposa, como cantante, él al trombón y contrabajo; y sus ideas siempre en ebullición, Chris se convertirá en uno de los gigantes de la música inglesa de todos los tiempos, aunque ya en los años 60 su sonido y su estilo pierdan actualidad. Su mayor éxito discográfico se produce en 1959 con el hit de Petite fleur, y a nivel de LP’s destacan sus álbumes New Orleáns joys, Petite fleur, Traditional jazz, vol. 1, American jazz band, Best yet! y Collaboration.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
SINGLE:

ÁLBUMES:

Fuente: Orbis
Fotografía: chrisbarber.net
Carátulas discos: chartstats.com/musicstack.com/rateyourmusic.com

GEORGE WINSTON

George Winston, nació el año 1949 en Michigan, aunque creció en Miles City (Montana). Pianista y compositor estadounidense. Muchas de sus obras evocan la esencia de las estaciones y reflejan paisajes naturales. 

El mismo se auto describe como un pianista de folk rural. Influido por el rock, blues, jazz y R&B, George Winston comenzó a tocar el órgano y el piano eléctrico después de terminar el instituto en 1967. En 1971 después de oír discos de los legendarios pianistas Thomas "Fats" Waller y Teddy Wilson, se pasó al piano acústico. Por ese tiempo empezó a trabajar con su propio estilo musical, creando sus propias composiciones y arreglando otras piezas. La música que George hace es difícil de clasificar, en general se puede describir como "piano folk". Fue uno de los primeros artistas que comenzaron a promocionar la música instrumental contemporáneo, estilo que más tarde adoptaría el nombre de "New Age" y una de sus más brillantes promesas. En 1972 firma por el sello discográfico Windham Hill y edita su primer álbum, Ballads and blues. 

Entre 1980 y 1982 graba una trilogía impresionista formada por los títulos: Autumm (1980), Winter into spring (1982) y December (1982), con sensacionales temas que sentarán la base a seguir de la música new age. La música de Winston continúa creciendo en popularidad e influenciando a la música que se publicaba durante esos años, pero estando en un momento álgido de su carrera, decide desaparecer, hasta que en 1985 reaparece para componer la música de una obra de la actriz Meryl Streep titulada The velveteen rabbit, a su vez publicada en disco.

Finalmente, en 1991, vuelve a la acción, para completar su ciclo estacional con el álbum Summer. El álbum titulado Forest le seguiría tres años después en 1994, trabajo por el cual recibió un premio Grammy en 1995. También realizó un trabajo en piano para una historia de Charlie Brown llamada "This is America, Charlie Brown-The birth of the Constitution"(1988), y posteriormente una grabación con guitarra sola en Sadako and the thousand paper cranes en 1995 y con la narración de la estrella cinematográfica Liv Ullmann. 

En 1996 publicó el álbum Linus & Lucy - The music of Vince Guaraldi, de gran influencia jazzística. En los conciertos que ha dado por España hemos podido disfrutar de uno de sus últimos aciertos: la guitarra tradicional hawaiana, que tiene la particularidad de tener ocho cuerdas. Edita un álbum recopilatorio All the seasons of George Winston en 1998 y al año siguiente publicó el álbum Plains. En 2001 sale el álbum  Remembrance - A memorial benefit con solos de piano, guitarra y armónica; y en 2002 puso a la venta el álbum titulado Night divides the day - The music of the Doors, un disco que toma la música de los 60's de la legendaria banda The Doors, en versiones solo para piano. Tuvo una gran repercusión tanto entre los fanáticos de Winston como entre los de The Doors. 

Los últimos álbumes, hasta 2012, lanzados por Winston son: Montana: A love story (2004), Gulf coast blues & Impressions: A hurricane relief benefit (2006), el estuche de recopilación de contenido 10 CD's titulado, Complete Solo Piano Recordings 1972 - 2004 (2006), Love will come - The music of Vince Guaraldi, volume 2 (2010) y Gulf coast blues & Impressions 2 – A Louisiana wetlands benefit (2012).

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Fuente: musica.hispavista.com/lastfm.es

Fotografía: lastfm.es

Carátulas discos: en.wikipedia.org/amazon.com/georgewinston.com/lastfm.es

PAUL DESMOND

Paul Emil Breitenfeld, conocido artísticamente como Paul Desmond, nació el 25 de noviembre de 1924 en San Francisco (California) y falleció a la edad de 52 años en Manhattan (Nueva York) el 30 de mayo de 1977. Músico estadounidense, saxofonista alto, clarinte y compositor.

Desmond llegó a la música de la mano de su padre -organista y pianista- cuyo trabajo consistía en poner música a las películas mudas. Empezó sus estudios musicales con el clarinete en la Escuela Politécnica de San Francisco y con este instrumento se profesionalizó muy rápidamente. Sin embargo, en 1950, con 25 años, optó por el saxo alto. Debutó con Jack Fina y Alvino Rey, con quienes adquirió fama de inmediato gracias al peculiar sonido -procedente de la escuela cool californiana- de su saxofón. Dave Brubeck lo fichó en 1951 para su conocido cuarteto, quizá intuyendo la sonoridad que el saxofonista podría desarrollar en su banda. Y Desmond triunfó con Brubeck. Lo brillante y nítido de su sonoridad se apegaba con facilidad al sonido que el cuarteto pretendía alcanzar. La colaboración con Brubeck duró toda su vida, aunque a partir de 1967 sólo se reunieron de forma eventual. La historia con el cuarteto de Brubeck, pues, tienes varios episodios. En ellos, la figura del cuarteto es inexpugnable, siempre formado por Dave Brubeck (piano), Paul Desmond (saxo alto), Eugene Wright o Norman Bates (contrabajo) y Joe Morello (batería). Entre los primeros discos magistrales de esta formación cabe mencionar Brubeck Time (1955), Dave Digs Dysney (1957) -con temas inolvidables del cineasta- o el famoso Newport 58 (1958), grabado en vivo en aquella mítica reunión. 

En 1959, el cuarteto grabó la pieza más conocida de su repertorio: “Take Five”, una composición de Desmond que le haría inmensamente popular (tanto al grupo como a él mismo) en 6/8 y que se convirtió en standard desde el mismo momento que fue publicada. La pieza, además de dotar de fama internacional al saxofonista, se impuso como moda musical incluso a principios de siglo XXI, cuando fue de nuevo revisitada la legendaria versión. De los últimos discos de esta etapa con Brubeck, podemos reseñar Jazz at Storville (1962), Time it (1966) o Bossa Nova USA (1963). Entre los intervalos de los trabajos del saxofonista con Brubeck, se multiplicaron sus actuaciones como miembro de la banda con muchas figuras del jazz internacional. Tal es el caso de su unión con Gerry Mulligan -su sustituto al frente del cuarteto de Brubeck en numerosas ocasiones-, con quien grabó y actuó en esta década. De tal asociación quedó el álbum Gerry Mulligan Quartet / Paul Desmond Quintet (1956), una lucha entre dos gigantes del sonido cool. Con Mulligan, además, firmó uno de sus mejores trabajos: Two of a Mind (1963), una pequeña obra maestra dentro de la estética cool, donde casi se perciben las dos voces de sus saxos (alto y barítono) entrecruzándose de continuo. No debe dejar de mencionarse la versión de “All the Things You Are”. Sencillamente magistral. 

En solitario, Desmond se inició en cuarteto con el trabajo titulado Paul Desmond, en 1955. Después llegó su siguiente disco, también en cuarteto, en el que colaboró el cantante Don Elliot, en 1956. Si bien estos primeros trabajos del saxofonista en solitario seguían los pasos de su trabajo con Brubeck, el siguiente elepé presentó una cara musical más sofisticada. Fue First Place Again, un impecable disco de 1960, lleno de emotividad y buenas maneras, realizado en cuarteto; formado por Desmond, Jim Hall, Percy Heat y Connie Kay, estos últimos integrantes del Modern Jazz Quartet, con lo que el disco fluctuaba entre el swing más académico y el jazz más inspirado y genial. Imprescindibles temas como “I Get a Kick Out of You”, “You Got To My Head”, “Time After Time” o la revisión de un tema del Renacimiento: “Gleensleeves”. Desmond siguió pronto la moda de orquestar sus discos, una tendencia ante la que sucumbieron notables jazzistas como Chet Baker, Wes Montgomery o Stan Getz. Quizá su trabajo más interesante fue Desmond Blue (1961), donde, salvo en los pasajes en los que la orquesta de cuerda acaba imponiéndose al sonido y swing de los músicos, destacan los temas “My Funny Valentine”, “I’ve Got You Under My Skin”, “Like Someone In Love” o “Body and Soul”. De entre los músicos sobresale la participación del guitarrista Jim Hall, siempre pletórico en cualquier colaboración. 

Tras la desaparición del cuarteto de Brubeck y liberado de ataduras musicales, Desmond intentó desarrollar su propia música. No pudo ser. Ya en los primeros setenta, los síntomas de una enfermedad que acabaría por llevarse al músico comenzaron a mostrarse irreversiblemente. Aún con todo, en 1972, y ya con grandes problemas de salud, inició una larga gira por Japón -donde fue muy requerido el cuarteto de Brubeck-, Australia y Europa. Precisamente, en este continente triunfó en los festivales de Newport (1972, 1973 y 1975) y Monterrey (1975). En esta década Desmond publicó algunos trabajos muy desiguales. Samba de Orfeo (1973) o Skylard -grabado para el sello CTI en 1974- fueron dos discos comerciales y en cierta manera previsibles. Con Chet Baker y Jim Hall grabó un puñado de temas, casi los últimos de su carrera. Participó en el álbum She Was Too Good To Me (en julio de 1974) del trompetista y en Concierto de Hall (en abril de 1975). Precisamente esta colaboración fue muy celebrada por el mundo del jazz. En ella -en temas como “You’d Be So Nice To Come Home” o “ “The Answer Is Yes”- se escucha a un Desmond pletórico, lleno de acierto, en un disco en el que brillaban músicos como Ron Carter, Ronald Hanna o Steve Gadd. 

De cualquier modo, en estos últimos años se recuerda con agrado su paso por el club Half Note (en 1974), para finalmente actuar como integrante de la banda en varios trabajos de Baker. Las canciones fueron “You Can’t Go Home Again” -del elepé del mismo título- y “How Deep Is The Ocean”, incluido en el disco The Best Thing For You (ambas sesiones, de febrero de 1977). Sólo podría apuntarse, como colofón a su vinculación con el mundo del disco, su participación en el álbum de Art Garfunkel "I’m Getting Sentimental". Poco después, el 30 de mayo de 1977, tras dos años muy afectado por la enfermedad, moría de cáncer uno de los saxos altos más conocidos del jazz de la segunda mitad del XX. Al igual que le ocurrió a Stan Getz, Desmond fue más conocido por su aterciopelado sonido que por su personalidad en el ámbito del jazz. No fue un saxofonista innovador. Siguió los pasos de los grandes, aunque nadie fue capaz de templar el alto como él lo hacía. Tal vez, su longeva unión a Brubeck (hasta 1967) terminó por anularle y alejarle de los primeros puestos del jazz internacional, aunque hay que decir que esa precisa comunión le convirtió en un músico inmensamente popular. Su ‘sonido’ procedía del estilo conocido como ‘West Coast Sound’, cuya frase se hacía perfecta, sonora y relajada. Su atemperada técnica -sin apenas vibrato- le hizo dueño de un sonido -al igual que Getz- casi único, todo dentro de una improvisación de carácter uniforme y llena de candidez que lograba a la perfección unir la calidez del swing con la extremada técnica de la música clásica. Casi un imposible. 

Resto de las carpetas de los discos mencionados en este artículo:

Fuente: mcnbiografias.com
Fotografía: amazon.com
Carátulas discos: discogs.com