Eliane Elias, nació el 19 de marzo de 1960 en Sâo Paulo (Brasil). Pianista, cantante y compositora.
Reconocible de inmediato por su estilo musical que combina raíces brasileñas con su sensual voz, Eliane Elias fascina con un impresionante jazz instrumental y sus técnicas clásicas y de composición. El talento musical de Eliane comenzó a despuntar a una edad muy temprana. Inició los estudios de piano a los siete años, y a la edad de doce años ya interpretaba algunos solos de los grandes maestros del jazz. A los quince años, estaba enseñando piano e improvisación en una de las más prestigiosas escuelas de música de Brasil. Su carrera artística comenzó en Brasil a los diecisiete años, en colaboración con el músico y compositor Toquinho y el gran poeta Vinicius de Moraes, quien también fue letrista del gran Antonio Carlos Jobim. En 1981, se dirigió a Nueva York y en 1982 consiguió un lugar en el aclamado grupo de jazz "Steps Ahead". Su primer álbum fue una colaboración con Randy Brecker titulado "Amanda", en 1984. Poco después comenzó su carrera en solitario, que abarca más de veinte álbumes hasta la fecha. En su trabajo Eliane ha documentado docenas de sus propias composiciones, acompañada de su excelente piano, arreglos y bellas interpretaciones vocales. Todas sus grabaciones han sido elogiadas por los críticos y se han clasificado en el Billboard y en las listas de las radios de jazz. En 1988 fue votada como Mejor Nuevo Talento en la encuesta de críticos de la revista Jazziz, junto con Herbie Hancock, siendo nominada a un Grammy en la categoría de "Mejor Interpretación Solista de Jazz" por su álbum de 1995, Solos y duets. Esta grabación fue aclamada por la revista Musician como "un hito en la historia del dúo de piano."
En 1997 los lectores Downbeat Poll, votaron su álbum The three Americas como Mejor Álbum de Jazz. Elías también fue nombrada en otras cinco categorías: Beyond Musician, Mejor Compositor, Pianista de Jazz, Vocalista Femenina, y Músico del Año. Considerada una de las grandes intérpretes de la música de Jobim, Elias ha grabado dos álbumes dedicados exclusivamente a las obras del compositor, Plays Jobim (1990)y Sings Jobim (1998). Sings Jobim fue reconocido en Japón como el Mejor Álbum Vocal, ocupó el número uno de las listas de ese país durante más de tres meses y fue galardonado como Mejor Álbum de Brasil en Jazziz Critics Poll.0
Por otra parte, como un testimonio de la calidad de su escritura, el grupo The Danish Radio Big Band ha actuado y grabado composiciones de Elias, arreglado y dirigido por el legendario Bob Brookmeyer. En 2001 la película documental "Calle 54" del director español Fernando Trueba, nominada a los Oscar, contó con la colaboración de Eliane Elías en el tema "Samba Triste". "Calle 54", también recibió una nominación al Grammy como Mejor Álbum de Jazz Latino.
En el álbum On the classical side, grabado en 1993, Eliane, demostró sus habilidades clásicas con un programa a base de los compositores: Bach, Ravel y Villa-Lobos. En 2002, Elias grabó con la cantante de ópera Denyce Graves el álbum "The lost days" interviniendo en dos piezas clásicas de Brasil y escribiendo una composición original, especialmente para Graves, titulada "Haabiá -Tupi." En 2002, Elias firmó con el sello RCA Music Group / Bluebird y lanzó Kissed by nature, un álbum, en su mayoría, de composiciones originales. Dreamer, su segunda grabación para el sello (lanzado en 2004), era una mezcla de melodías del cancionero americano, bossa novas de Brasil, y dos temas nuevos originales, todos cantados en inglés y portugués, y con el apoyo de una orquesta completa. Dreamer recibió el Premio Disco de Oro y fue votado como Mejor Álbum Vocal en Japón en 2004. Alcanzó el número 3 en las listas de popularidad en Francia y número 4 en las listas de Billboard en los EE.UU.
En el álbum Around the city, publicado por RCA Victor en agosto de 2006, se unen trozos de bossa nova, con matices de pop, jazz, música latina e incluso rock & roll. Around the city cuenta con la voz y las canciones de Elias en colaboración con los productores Andrés Levin y Lester Méndez, e incluye clásicos del pop como "Oye Como Va" de Tito Puente y "Jammin" de Bob Marley.
Elías regresó a Blue Note / EMI en 2007 con el álbum Something for you, un homenaje a la música del gran pianista y compositor de jazz, Bill Evans. Mientras toca la esencia de Bill Evans, ella incorpora sus propias cualidades. Este registro ganó los premios: Mejor Álbum Vocal del Año y el Disco de Oro en Japón. Esta es la tercera grabación consecutiva de Eliane en recibir estos premios y su cuarta en la clasificación general. Something for you alcanzó el número 1 en las listas de jazz de radio en EE.UU., el n º 8 en las del Billboard y el n º 2 en las listas de jazz de Francia.
En el año 2008 se cumplió el quincuagésimo aniversario del nacimiento de la Bossa Nova. En la celebración de este evento, Elias editó el álbum Bossa nova stories, con algunas de las canciones históricas de Brasil, con clásicos del pop y los estándares americanos, exquisitamente realizados y acompañados por una sección rítmica estelar y cuerdas. El disco fue grabado en los Abbey Road Studios de Londres. Destinado a convertirse en un clásico, Bossa nova stories ha logrado lo siguiente: debutó en el nº.1 en las listas francesas (2008), nº.1 Álbum Vocal del Swing Journal, Japón (mayo-junio de 2008), nº.1 de iTunes Top Jazz Album (enero de 2009), nº.2 iTunes Top Latin Album (enero de 2009), debutó en el nº.2 del Billboard's Overall y Top Jazz Charts (enero de 2009). Bossa nova stories también fue nominado para los premios Grammy brasileños (20 Premio de la Música Brasileña, 2009) al Mejor Álbum Extranjero. Elias fue el número 2 en las listas de jazz anual 2008 (destacando las fuertes ventas en CD de la artista en Francia).
En 2009, EMI Japon lanzó Eliane Elias playslive, un álbum completamente instrumental de trío de jazz, con el bajista Marc Johnson y el baterista Joey Baron y de un concierto grabado en Amsterdam el 31 de mayo 2002, basado en una colección de standards originales de jazz. En 2011, el álbum de Eliane, editado por Concord Records, titulado Light my fire, alcanzó el # 1 en las listas de jazz de Francia, el # 1 en iTunes Francia, el # 3 en las listas de jazz de Billboard y el # 3 en iTunes y Amazon's Jazz Charts de USA. El CD cuenta con cuatro composiciones escritas o co-escritas por la propia Eliane y también incluye versiones de obras conocidas de compositores tan diversos como Jim Morrison y The Doors, Stevie Wonder y el saxofonista de jazz Paul Desmond. Para este álbum, Eliane, se arropó con un equipo de doce músicos, incluyendo invitados especiales como el guitarrista / vocalista Gilberto Gil y el trompetista Randy Brecker. En Light my fire, Eliane Elias, se acredita como cantante, pianista, compositor, arreglista y productor. Su canción "What about the Heart” (Bate Bate), recibió una nominación al Grammy como Mejor Canción Brasileña.
El 28 de mayo de 2013 y en la discográfica Concord Records, edito el álbum I thought about you,un tributo a Chet Baker, salió a la venta el 28 de mayo de 2013 y ofrece su versión personalizada sobre el trabajo de un artista clave en la historia del jazz estadounidense, mientras que pone de relieve su conexión con la tradición cantante-instrumentista, siendo uno de los álbumes más cuidadosamente construidos de Elías, mostrando cuán hábilmente, ella, se mueve en torno al nexo bossa-jazz-blues. Sus últimos lanzamientos han sido los álbumes, Made in Brazil (2015), Dance of time (2017) y Music from Man of la Mancha (2018).
Antoine Dominique Domino, conocido artísticamente como FATS DOMINO, nació el 25 de febrero de 1928 en Nueva Orleans (Luisiana) y falleció el 24 de octubre de 2017 en Harvey (Luisiana), a los 89 años de edad. Llamado Fats (Gordo), porque pesaba más de 100 kilos, es el músico de Nueva Orleáns por excelencia. Pianista, cantante y autor, (sin olvidar que durante un tiempo estuvo actuando como trompetista de jazz en las orquestas de Oscar Celestin y Kid Ory), aglutina toda la tradición musical y cultural de la ciudad, puerto abierto al Atlántico como horizonte amplio y al Caribe como ámbito próximo. El cruce de culturas como la española o la francesa con ritmos negros procedentes de África y revitalizados en el jazz en los años 30 y en los sabores latinos del Caribe conferían a la música de Fats un poder poco usual y una comercialidad que le convertirá en el primer vendedor absoluto del rhythm and blues y en la gran figura de los prolegómenos del rock y de su primera explosión.
Fats, pianista desde la infancia, fue des cubierto en 1948 en el Hideaway Club, por Lew Chudd, de Imperial Records. En estos momentos cobraba tres dólares por semana. En Imperial, Fats Domino conoció a Dave Bartholomew, hombre clave en la música de los años 50, y juntos compusieron el primer tema de Domino, una canción en que se ríe de sí mismo titulada The fat man. En unas semanas el disco venderá miles de copias y proveerá a Domino y a Imperial de su primer disco de oro, con lo que el pianista de tres dólares por semana iniciará una carrera en la que llegará a vender más de 60 millones de discos. Dave Bartholomew (1920, Edgard, Louisiana) era hijo de un músico que tocaba la tuba. Tras ser licenciado del ejército, formó en 1946 su primera banda en Nueva Orleans. Al conocer a Lew Chudd entró en Imperial Records a tiempo de formar con Domino un impresionante equipo de éxitos, aunque también fuera autor y colaborador de otros artistas como Smiley Lewis, Spiders, Earl King, Huey Smith, Guitar Slim y otros. Sus canciones y su trabajo como productor avalan una carrera triunfal que con Domino se convirtió millonaria hasta 1963, año en que Imperial pasó a Liberty Records. Bartholomew, como Domino, continuó en la brecha ya en otras coordenadas históricas y musicales.
A partir de The fat man en 1948, Fats consiguió 17 discos de oro, incluido éste, cifra superada únicamente por Beatles, Elvis Presley y Bing Crosby. Son: Goin’home en 1952; You said youloved me, Please don’t me y Going to the river, en 1953; Love me, en 1954; All by myself, I can’t go on y Ain’t that a shame, en 1955; I’m in love again, Bo weevil, Blue mondayy Blueberry hill en 1956; It’s you I love, I’m walkin’ y I still live you, en 1957; y Whole lottalovin’ en 1958, aunque muchos otros discos suyos fueron éxito en ese tiempo. Las canciones de Domino y Bartholomew iban a ser años después hits en las versiones de artistas como Buddy Holly, The Band, Elvis Presley, Little Richard, Pat Boone, Jerry Lee Lewis y otros.
A partir de 1963, año en que Imperial dejó de existir como editora independiente, Fats editó a través del sello ABC de Nashville, siendo su más destacado tema la versión de Lady Madonna de los Beatles en 1968. Lo mejor de la discografía de Fats Domino se halla en sus LP's This is Fat, Fabulous, Here he comes again, I miss you so, Let’s dance, Rock and rollin’, Walking to New Orleáns, Here stands Fats y 12 million records, en Imperial; y en ABC, Fats on fire, Getaway, y Here comes Fatsagain. Ya en la parte final de los 60 pasó a Reprise/Warner. Aunque lejos de las listas de éxitos y de la fama de los años 50, Fats Domino sigue siendo una descollante leyenda viva de gran importancia musical. DISCOGRAFÍA seleccionada, Singles y EP's:
ÁLBUMES:
Fuente: Orbis Fotografía:iaanhughes.com Carátulas discos:a45rpm.com/rateyourmusic.com
Leandro J. Barbieri, conocido artísticamente como Gato Barbieri, nació el 28 de noviembre de 1932 en Rosario. Saxofonista de jazz argentino.
Hijo de un carpintero y sobrino del saxofonista y clarinetista Mario Barbieri. Creció cerca del Parque de la Independencia. Una infancia marcada por el fútbol –hincha de Newell’s Old Boys- y las tempranas clases de música fueron el entorno de ese músico que años después llegó a ser el saxofonista argentino de jazz más destacado a nivel internacional. Extrovertido, espectacular siempre, Gato supo crear un sonido profundamente personal a partir de su saxo tenor, a pesar de las tempranas influencias de John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Un tono desgarrado frecuentemente a base de notas largas y un volumen elevado y a veces distorsionado. Así, fue uno de los primeros jazzmen en destacarse en lo que se denominó el jazz latino, aunque Gato también abordó el jazz de vanguardia, sobre todo en los años 60, además del pop y la fusión a finales de los 70.
A los 12 años, Gato Barbieri aprendió en Rosario a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de “Now's the time”, de Charlie Parker. Junto a su hermano mayor, Rubén, estudió música en la escuela Infancia Desvalida de Rosario, y su primer maestro de música fue Alfredo Serafino. En 1947 se trasladó junto a su familia a la Capital Federal y allí siguió la historia: continuó con sus lecciones de música, ingresó junto a su hermano en la orquesta del legendario René Cóspito, vivía en una casa en Matheu y Carlos Calvo, el fútbol en el Club Platense, y el clarinete tocado con atisbos de gran músico.
Con el maestro Ruggiero Lavecchia como su insistente profesor, Gato optó por abandonar el clarinete y aferrarse al saxo. Un primer paso por la Jazz Casablanca –orquesta con la que en 1949 volvió por un día a Rosario y subió por primera vez a un escenario de su ciudad natal en el club Sportmen Unidos-, su incursión en el mundillo porteño del jazz y luego, sí, el salto inicial, como miembro de la orquesta de Lalo Schifrin. Fue en 1953 cuando Gato Barbieri se convirtió en una celebridad musical gracias a sus actuaciones, precisamente, en la orquesta de Schifrin, agrupación con la que en esa misma década actuó una noche en el teatro El Círculo de Rosario. A finales de los cincuenta, Barbieri comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor.
Como Astor Piazzolla, como el citado Schifrin, como Dino Saluzzi, Barbieri sintió que se estaba asfixiando. A comienzos de los años 60 empezó a sentir que los espacios se estaban achicando, que su música debía desarrollarse en otro contexto, y no dudó en cambiar Buenos Aires por Roma. Se trasladó a la capital italiana en 1962, pero fue en París donde conoció a Don Cherry, trompetista célebre del free jazz. Gato se unió a su grupo y se empapó raudamente del jazz de vanguardia. A finales de esa década tocó también con Mike Mantler´s Jazz Composers´ Orchestra. Lo cierto es que a partir del 62 salió a conquistar el mundo, y tras aprobar la severa exigencia del público de jazz, Gato encontró su propio sendero mezclando ritmos latinoamericanos con aquella vieja magia negra, caracterizado por sus lentes y su sombrero.
Ya en los años 70, Barbieri experimentó un cambio e incorporó a su música melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos latinoamericanos con dos excelentes músicos como Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el vivo El Pampero (1971), con Flying Dutchman y sus Chapters para el sello discográfico Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz. Sin embargo fue el cine el medio que lo hizo más conocido: el éxito comercial de 1972 El último tango en París, de Bernardo Bertolucci, contó con una sensual banda de sonido creada e interpretada por Gato Barbieri. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y pop a finales de los 70.
En esta etapa de su vida, Nueva York pasó a ser su definitivo hogar. Trabajó con Gary Burton, renovó la alianza con Don Cherry y empezó a grabar para Flying Dutchman. De esa etapa fueron The Third World (1969), Fenix (1971) y Bolivia (1973). Y, a pesar de su reencuentro con el mítico trompetista, el free jazz pasó a la historia y el latin jazz fue el centro de la vida musical de Barbieri. Cambios de compañía y de músicos, giras, innumerables conciertos, introdujeron a Barbieri en un huracán del que le era difícil escapar. A pesar de esto, se las ingenió para seguir produciendo buenos álbumes, como Chapter three: Viva Emiliano Zapata (1974), Impulsively! (ambos para ABC Impulse Records), Caliente (1976), Trópico (1978)y Passion and fire (1979), estos tres últimos álbumes registrados por A&M.
A inicios de los años 80, Barbieri continuó en la búsqueda de un sonido sudamericano intenso, aunque ahora influenciado por el rock. Se sabe, sus oscilaciones estilísticas fueron una constante en su trayectoria y al mismo tiempo un sello personal. Sus incursiones discográficas disminuyeron y Para los amigos, del 81, quedará como el álbum más representativo de esta etapa. Tras el álbum The third world revisited, de 1988, Gato optó por tomar un largo descanso. Aquejado por serios problemas en el corazón y afectado por la muerte de su mujer Michelle en 1995, Barbieri estuvo inactivo prácticamente buena parte de la década del 90, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles y grabando a partir de entonces varios discos, entre ellos Qué pasa (1997), un álbum que sirve para observar al melancólico Barbieri de ese momento.
Por fin, en 1999 Gato volvió a su ciudad natal, después de cincuenta y dos largos años de ausencia. Y lo hizo de la mejor manera. Frente a unas diez mil personas, el 13 de marzo de ese año tocó junto a su banda en un concierto con entrada gratuita en el Patio Cívico del Monumento a la Bandera. Un show inolvidable para miles de rosarinos. Hubo solos espectaculares, momentos que quedarán grabados en la memoria sin que nada pueda borrarlos, como “Remembranzas” o “Las hojas muertas”, “El arriero” o “El día que me quieras”, además de una versión latina de “Último tango en París”. Sobre fines del mismo año, Gato volvió a Rosario para dar un concierto en el teatro El Círculo. En el 2000, junto a Paquito D´Rivera, Bebo Valdés y Chucho Valdés, Gato protagonizó el filme musical del español Fernando Trueba "Calle 54", un tributo al latin jazz.
En el 2010, Gato terminó de grabar en Nueva York un disco de standards ideado y producido por su amigo el baterista Néstor Astarita, cuyo repertorio está integrado por obras como “So what”, de Miles Davis; “The third world revisited”, de Thelonious Monk; “Equinox”, de John Coltrane (con un aire de milonguita); el vals “Someday my prince will come” y una versión de “Prepárense”, de Astor Piazzolla. El álbum fue editado por Melopea, el sello que dirige el también rosarino Litto Nebbia. Gato Barbieri falleció en un hospital de Nueva York a la edad de 83 años y victima de una neumonía el 2 de abril de 2016. DISCOGRAFÍA seleccionada, ÁLBUMES:
