BRANFORD MARSALIS

Branford Marsalis, nació el 26 de agosto de 1960 en Nueva Orleans (Lousiana), Saxofonista estadounidense de jazz y música clásica.

Hijo del pianista y compositor de jazz Ellis Marsalis y hermano del famoso trompetista Wynton Marsalis. Destacó como saxofonista (alto, soprano y tenor) y compositor. Inserto dentro del “nuevo” hard bop que tomó cuerpo en los años ochenta, fue merecedor de un Premio Grammy en el año 2000. Desde muy joven fue empujado por su padre al estudio del solfeo, la armonía y el clarinete. Ingresó en el NOCCA (New Orleans Center for the Creative Arts), donde desarrolló una carrera instrumentística clásica, y algo más tarde estudió con Alvin Batiste en la Southern University, en Baton Rouge; de aquí pasó, mediante recomendación de Alvin, a la Berklee School de Boston, y estudió con Jeff Friedman y Andy Jaffe. En esta escuela, por cierto, coincidió con otro músico talentoso: Donald Harrison. En 1980 le llegaría su gran oportunidad al fijarse en él el trompetista Clark Terry, quien le incluyó como intérprete de saxo alto en su prestigiosa big band; y, más tarde, en 1981, su buena estrella se vio confirmada con su ingreso, junto a su hermano Wynton, en los Jazz Messengers del maestro Art Blakey, quien le proyectó de manera clara a sus veintiún años. 

En 1983, aún jovencísimo, le llegó el turno de grabar un disco en solitario. Se trata del fantástico "No Backstage Pass", que lo presentaba ya como un valor en alza dentro del “nuevo” jazz. Al año siguiente, en noviembre, participó en la grabación de algunos temas del álbum de Miles Davis "Decoy", lo que contribuyó a aumentar su prestigio. Concretamente, grabó los temas “Decoy”, “Code M. D.” y “That’s Right”. En 1985, su carrera tomó otro rumbo, ya que se embarcó en un proyecto ajeno al jazz. Se trataba de la puesta de largo de Sting, ex miembro de Police, que quiso incluir músicos de jazz en su banda (también participaban Kenny Kirkland, al piano, o Homar Hakim, a la batería). De todas formas, aunque Sting desarrollaba un rock avanzado muy en conexión con el soul y el funky, el sonido de Branford evocaba una sutil improvisación de jazz. Con Sting grabó algunos discos -"The Dream of the Blue Turtles" (1985), "Bring on the Night" (1986) o "Nothing like the Sun" (1987)-, y estuvo de gira hasta 1988.

Actuó también este tiempo como "freelance" con algunos grupos. Por ejemplo, estuvo incluido -junto a Tony Williams, a la batería- en el cuarteto de Herbie Hancock, con quien realizó una gira europea. En la década de los 90, el saxofonista se ha implicado en proyectos como freelance. Cabe resaltar de nuevo su colaboración con Herbie Hancock, esta vez en un sexteto en el que también se encontraban John Scofield (guitarra), Dave Holland (contrabajo), Jack DeJohnette (batería) y Don Alias (percusión). Aunque ha sido en solitario, con su Branford Marsalis Quartet, como se ha desarrollado musicalmente en esta década. En esta última formación se han dejado ver músicos como Joey Calderazzo (piano), James Genus (bajo) o Jeff Watts (batería), y con esta banda ganó un Grammy en el año 2000 por el trabajo titulado Contemporary Jazz.

Branford Marsalis pasa por ser un saxofonista de técnica excepcional que, junto a su hermano Wynton, ha sabido recuperar el sonido del jazz de antaño en un más que remozado bebop. Ante la modernidad que parecen reivindicar muchos de los jóvenes músicos, alejándose por tanto del swing, Marsalis emula una forma de tocar llena de vitalismo y buenas maneras. De hecho, todos los caminos por los que transita Branford son lugares conocidos, ya transitados por saxofonistas continuadores del bebop y creadores de aquello que se llamó hard bop. De ese estilo, desarrollado por algunos célebres músicos algo mayores que los hermanos Marsalis -Joe Henderson, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Phil Woods o Stanley Turrentine-, parte el estilo propio de este músico, que ha sabido reencontrarse con un jazz ortodoxo magníficamente remozado.

Dueño, pues, de un estilo depurado, técnico y brillante en cuanto a su concepción sonora, ha sabido desarrollar un virtuosismo académico sin demasiados sobresaltos. Su descarada permisibilidad le ha llevado a dominar los tres saxos básicos: tenor, alto y soprano, de los cuales el último es el que le ha permitido mostrar su personalidad con mayor pureza. Sabedor de este clasicismo jazzístico que despega en sus solos, avanza con los años hacia una mayor naturalidad del discurso improvisador, tratando de crear música sin evolucionar demasiado desde el punto de vista armónico el arte de este estilo de música.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Scenes in the City (1984)

Royal Garden Blues (1986) 

Renaissance (1987)

Selections (1987)

Random Abstract (1988)

Trio Jeepy, Columbia (1989)

Bloomington (1991)

I Heard You Twice the First Time (1992)

Contemporary Jazz (2000) 
Creation (Con Orpheus Chamber Orchestra, 2001)
Footsteps Of Our Fathers (2002)
Romare Bearden Revealed (2003)

The Steep Anthology (2004)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: mcnbiografias.com
Fotografía: discogs.com
Carátulas discos: discogs.com

ROY HARGROVE

Roy Anthony Hargrove, conocido artísticamente como Roy Hargrove, nació el 16 de octubre de 1969 en Waco (Texas). Trompetista de jazz estadounidense.

Estudió en la escuela, Dallas's Booker T. Washington High School for the Performing and Visual Arts. Durante su estancia en esta escuela, Hargrove tuvo la oportunidad de escuchar a David "Fathead" Newman, que tocaba para la Ray Charles Band, y que se convertiría en una de sus influencias musicales más destacadas. En 1987, encontró a su mentor Wynton Marsalis. Cuando Marsalis visitó su escuela quedó impresionado del talento que Roy tenía, así que rápidamente le propuso darle clases particulares. También lo recomendó al productor y mánager Larry Clothier, y el resultado fue que Hargrove tuvo la oportunidad de viajar a Nueva York, y después al Japón y a Europa. Aunque el sonido de Hargrove es fácilmente reconocible y original, también ha recibido influencias de Freddie Hubbard, Fats Navarro, Miles Davis, Lee Morgan y Clifford Brown.

Hargrove estuvo un año (1988-1989) estudiando en el Boston's Berklee College of Music, pero era más fácil encontrarlo en jam sessions de Nueva York, por lo que finalmente se trasladó a The New School en esta ciudad. Realizó su primera grabación en Nueva York con el saxofonista Bobby Watson. Poco tiempo después participó en una grabación de Superblue, con Watson, Mulgrew Miller y Kenny Washington. En 1990 lanzó su primer álbum en solitario, Diamond in the Rough, de la discográfica Novus/RCA, para la que grabará sus cuatro siguientes trabajos. Posteriormente firmó un contrato con Verve Records, lo que le dio la oportunidad de trabajar con algunos de los saxofonistas tenores más destacados del momento en With the Tenors of Our Time, que incluía a Joe Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman y Branford Marsalis. En 1993, por encargo de la Lincoln Center Jazz Orchestra escribió "The Love Suite: In Mahogany".

En 1996, la banda de Roy actuó al Festival de Jazz de La Habana, donde conoce al pianista cubano Chucho Valdés, y queda fascinado por el gran talento de los artistas cubanos. Forma Crisol, de línea latina con músicos como El Negro, Changuito, junto con artistas afro-americanos como Gary Bartz, Rusell Malone o Frank Lacy. Con Crisol registra un álbum en directo del concierto en Orvieto, Italia, que titula Habana (1997), que tiene un gran éxito y gana un Premio Grammy en febrero de 1998. A principios de los años 2000 Roy Hargrove formó el grupo The RH Factor, que combinaba elementos de jazz, funk, hip-hop, soul y gospel.

El año 2006 Hargrove editó Nothing Serious (Verve) con su quinteto, un feliz regreso a sus orígenes post-bop que culminó con la publicación de Earfood (Emarcy, 2008), un disco excelente donde el trompetista brilla en un estilo mainstream excelentemente ejecutado, con acercamiento a los ritmos funk de los RH Factor incluidos. Hargrove ha trabajado con un gran número de músicos, entre los que se encuentran Herbie Hancock, Sonny Rollins, Michael Brecker, Jackie McLean, Slide Hampton, Natalie Cole, Diana Krall, Abbey Lincoln, Diana Ross, Steve Tyrell, Kenny Rankin, John Mayer, Rhian Benson, Carmen McRae, Shirley Horn, Jimmy Smith, Danny Gatton, Method Man, Common, Erykah Badu, D'Angelo y Gilles Peterson.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Bobby Watson & Horizon (No Question About It) 1988

Diamond in the Rough (Novus, 1989)
Superblue 1989
With the Tenors of Our Time 1994
Crisol: Habana 1997
With Strings 2000
Directions In Music (Con Herbie Hancock y Michael Brecker) 2001
The RH Factor-Hard Groove 2003
Nothing Serious 2006
Earfood 2008

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: wikipedia
Fotografía: hdtracks.com
Carátulas discos: discogs.com

DONALD FAGEN

Donald Fagen (10-1-48, Passaic, Nueva Jersey, Estados Unidos) fue en los años 70 uno de los dos elementos que dieron vida al grupo Steely Dan, considerado como uno de  los conjuntos de mayor calidad musical de la década, siendo el tándem formado por Donald Fagen y Walter Becker la base del mismo. 

En junio de 1981, el dúo, que llevaba trabajando unido y componiendo durante 14 años, anunció el fin de Steely Dan y su separación como equipo creador. Ya convertido en solista de estilos como el jazz rock y el pop rock, Donald Fagen debutó en 1982 con su primer LP individual, The nightfly, editado en octubre y convertido rápidamente en éxito, lo mismo que el single I.G.Y.(International Geophysical Year). El álbum mantiene todo el clímax del primitivo sonido Steely Dan al ser Donald el cantante y rodearse de los mejores músicos profesionales que grababan con ellos anteriormente. Posteriormente a la edición de este LP, ha habido muy poca continuidad en el lanzamiento de nuevos álbumes y nos tenemos que situar en 1993 para conocer el álbum Kamakiriad, en 2006 para el álbum Morph the cat, en 2007 para el recopilatorio que agrupaba sus tres primeros álbumes titulado The nightfly trilogy, y a las fechas actuales de 2012 para su último álbum Sunken condos. 

Walter Becker & Donald Fagen

Durante estos largos períodos de silencio en cuanto a nuevas grabaciones, Donald Fagen, no ha permanecido inactivo, al contrario, no ha parado de trabajar, componiendo, haciendo colaboraciones para otros artistas y realizando giras con su compañero Walter Becker y otros músicos como Steely Dan. Precisamente con Walter Becker editó los álbumes You gotta walk it like you talk it (71), el recopilatorio The collection (88), Sun Mountain (95), Origins of Steely Dan (99), y Tempus fugit (The original recording 1968-71) (2002).

DISCOGRAFÍA seleccionada,
SINGLE:

ÁLBUMES:

DISCOGRAFÍA mencionada, WALTER BECKER & DONALD FAGEN
ÁLBUMES:

Fuente: Orbis (Actualizada)

Fotografías:  lastfm.jp/columnc.wordpress.com
Carátulas discos: rateyourmusic.com

SONNY STITT

Edward Hammond Boatner, Jr. conocido artísticamente como Sonny Stitt, nació el 2 de febrero de 1924 en Boston (Massachusetts) y falleció a la edad de 58 años el 22 de julio de 1982 en Washington. Músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y alto; también tocaba ocasionalmente el barítono.

Se trata de uno de los principales seguidores de Charlie Parker, de cuya estela pudo empezar a separarse al empezar a usar el saxo tenor, momento en que la influencia de Parker fue compensada con la de Lester Young. A su vez, fue una relativa influencia para John Coltrane. Sus estilos son los del bop, hard bop y soul jazz. Creció en Saginaw (Michigan). Su padre, Edward Boatner, era un cantante barítono, compositor y profesor de música de la universidad; su hermano era un pianista de formación clásica; y su madre era profesora de piano. Sonny fue dado en adopción en 1924 por su padre. Nadie parece saber por qué Boatner abandonó a su hijo, pero el niño fue adoptado por la familia Stitt, que lo crió en Saginaw. Más tarde comenzó a llamarse a sí mismo "Sonny". Mientras estaba en la escuela secundaria en Saginaw, Stitt tocó en la Len Francke Band, una popular banda de swing local. 

En 1943, Stitt conoció a Charlie Parker y, como a menudo recordaría más tarde, los dos hombres descubrieron que sus estilos tenían una similitud extraordinaria que era en parte coincidente y no simplemente debido a la emulación de Stitt. Se dice que Parker comentó: "Bueno, voy a estar maldito, suenas igual que yo", a lo que Stitt respondió: "Bueno, no puedo evitar la forma en que sueno. Es la única forma en que sé cómo tocar." Kenny Clarke comentó sobre el enfoque de Stitt: "Incluso si no hubiera habido un Bird, habría habido un Sonny Stitt". Stitt había tocado en algunas bandas de swing a principios de la década de los 40 y apareció en la gran banda de Tiny Bradshaw a principios de los años cuarenta. Reemplazó a Charlie Parker en la big band de bop Dizzy Gillespie en 1945 y en 1946 hizo las primeras grabaciones bajo su propio nombre para Savoy Records, que estableció sus credenciales de bop.

Stitt tocó saxofón alto en la gran banda de Billy Eckstine ​junto a los futuros pioneros del bop Dexter Gordon y Gene Ammons a partir de 1945, cuando comenzó a tocar el saxofón tenor con más frecuencia, para evitar ser considerado como un imitador de Charlie Parker. Más tarde, tocó con Gene Ammons y Bud Powell. Stitt pasó un tiempo en la prisión federal en Lexington, Kentucky, entre 1948 y 1949 por vender narcóticos. Stitt, cuando tocaba el saxofón tenor, parecía liberarse de algunas de las críticas de que estaba imitando el estilo de Parker. De hecho, Stitt comenzó a desarrollar un sonido mucho más distintivo en el tenor.​ Tocó con otros músicos de bop, Bud Powell y Eddie "Lockjaw" Davis, un tenor con un tono claramente duro en comparación con Stitt, en la década de los 50 y grabó varios temas para la discográfica Prestige Records, así como álbumes para Argo, Verve y Roost. Stitt experimentó con el jazz afrocubano a fines de la década de los 50, y los resultados pueden escucharse en sus grabaciones para Roost y Verve, en las que se asoció con Thad Jones y Chick Corea para versiones latinas de estándares como "Autumn Leaves". 

Stitt se unió brevemente a Miles Davis en 1960, y las grabaciones con el quinteto de Davis solo se pueden encontrar en vivo en la gira de 1960. Los conciertos en Manchester y París están disponibles comercialmente y también en varios conciertos (que incluyen sets del quinteto anterior con John Coltrane) en la grabación Live at Stockholm 1960 (Dragon), que incluyeron a Wynton Kelly, Jimmy Cobb y Paul Chambers. Sin embargo, Miles despidió a Stitt debido a su dependencia del alcohol, y lo reemplazó por Hank Mobley. Más tarde, en la década de los 60, Stitt rindió homenaje a una de sus principales influencias, Charlie Parker, en el álbum Stitt Plays Bird, que presenta a Jim Hall en la guitarra. Stitt grabó varios discos memorables con su amigo y compañero saxofonista Gene Ammons, interrumpido por la propia prisión de Ammons por posesión de narcóticos. Los discos grabados por estos dos saxofonistas son considerados por muchos como algunos de los mejores trabajos de Ammons y Stitt, por lo que la asociación Ammons / Stitt pasó a la posteridad como una de las mejores alianzas de dúos en el jazz,​ junto a Zoot Sims y Al Cohn, y Johnny Griffin con Eddie "Lockjaw" Davis. Stitt se aventuraría en el soul jazz, y grabó con el también saxofonista tenor Booker Ervin en 1964 en el álbum Soul People.

Stitt también grabó con el ex alumno de Duke Ellington, Paul Gonsalves en 1963 para Impulse!, el álbum Salt And Pepper en 1963. Por esa época también apareció regularmente en el club Ronnie Scott's en Londres, un encuentro en vivo de 1964 con Ronnie Scott, The Night Has A Thousand Eyes, finalmente salió a la luz, y otro de 1966 con el guitarrista residente Ernest Ranglin y saxofonista tenor británico Dick Morrissey.​ Stitt fue uno de los primeros músicos de jazz en experimentar con el sistema de amplificación Varmerone Selmer, como se escuchó en los álbumes What's New en 1966 y Parallel-A-Stitt en 1967. En la década de los 70, Stitt desaceleró un poco su producción de grabaciones, y en 1972, produjo otro clásico, Tune-Up !, que fue y sigue siendo considerado por muchos críticos de jazz, como Scott Yanow, como su disco definitivo. De hecho, su solos ardientes y efervescentes fueron bastante reminiscentes de su anterior forma de tocar. En 1971 también grabó otro álbum con Varitone, Just The Way It Was - Live At The Left Bank, que se lanzó en 2000. Con el paso de los años, el estilo y la técnica que parecían una derivación de Parker adquirieron una individualidad propia.​ Su velocidad, resistencia, pulido, finura y ataque de balanceo fueron notablemente consistentes y lo hacen figurar entre los grandes saxos tenores de su época. 

Era muy respetado en el mundillo del jazz americano tanto de Nueva York como de la Costa Oeste. Art Pepper en sus memorias considera uno de sus momentos más gloriosos cuando creyó imponerse a Sonny Stitt interpretando "Cherokee" en San Francisco y en el cierre de su libro titulado "Una vida ejemplar", explica el desafío con Stitt en el escenario:​ "Tocamos el principio, la melodía, y Sonny se embarcó en el primer solo. Y tocó por lo menos cuarenta chorus. Estuvo tocando quizá una hora seguida, hizo todo lo que podía hacerse con un saxofón. Y de pronto se detuvo. Y me miró como diciendo: `Para que aprendas, capullo. Ahora te toca a ti.’ (…) Yo toqué como nunca en la vida. Rebusqué en mi mente y encontré mi forma personal, y lo que expresé le llegó al público. Toqué y toqué, y cuando finalmente acabé estaba temblando de pies a cabeza. Tenía el corazón desbocado. Estaba empapado en sudor, y la gente aplaudía y vitoreaba. Miré a Sonny; me contenté con hacerle un pequeño gesto con la cabeza. `¡Muy bueno!’, dijo él. Eso fue lo que pasó. Y eso es lo que importa en la vida”.

La productividad de Stitt disminuyó en la década de los 70 debido al alcoholismo. Stitt había bebido mucho desde que abandonó la heroína a finales de los años cincuenta, pero el abuso comenzaba a pasar factura. Una serie de convulsiones inducidas por el alcohol causaron que Stitt se abstuviera y dejara el hábito para siempre. Stitt dijo de esta época: "Fue lamentable, hombre ... realmente fui un esclavo. He vuelto de la muerte, porque allí es donde estaba, hombre. Estaba muerto". Stitt se unió al grupo de estrellas Giants of Jazz (que también contó con Art Blakey, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Kai Winding y el bajista Al McKibbon) e hizo álbumes para Atlantic, Concord y Emarcy. Sus últimas grabaciones fueron hechas en Japón. Un rejuvenecido Stitt también realizó una gira con Red Holloway a fines de la década de los 70, quien notó una marcada mejoría en su forma de tocar. Casado con una corista en 1952 y divorciado en 1959, Sonny Stitt era apodado "Lone Wolf" (Lobo Solitario), a pesar de su carácter afable y su seriedad en el trabajo. Un mes antes de morir en 1982, enfermo de cáncer de hígado, había grabado su último disco en Japón. En 1982, Stitt sufrió un ataque al corazón, y murió el 22 de julio en Washington, DC. 

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

New York Jazz (Verve, 1956)
Sonny Stitt/Bud Powell/J. J. Johnson (Prestige, 1956)

Personal Appearance (Verve, 1957)

For Musicians Only (Verve,1957) con Dizzy Gillespie y Stan Getz
Kaleidoscope (Prestige,1957)

At Newport (Verve, 1958)
Duets (Verve, 1958)
Sonny Side Up (Verve,1958) con Dizzy Gillespie y Sonny Rollins
Blows the Blues (Verve, 1960)
Boss Tenors in Orbit! (Verve, 1962) con Gene Ammons

The Sensual Sound of Sonny Stitt (Verve, 1962) con The Ralph Burns Strings
Boss Tenors (Verve, 1962) con Gene Ammons
Salt And Pepper (Impulse, 1963)
Now! (Impulse!, 1963)

Stitt Plays Bird (Atlantic, 1964)

Soul People (Prestige,1964) con Booker Ervin y Don Patterson 
My Main Man (Argo, 1964) con Bennie Green
What's New!!! (Roulette, 1966)
Parallel-a-Stitt (Roulette, 1967)
Tune-Up! (Cobblestone, 1972)

In Walked Sonny (Sonet, 1975) 

Live at Stockholm 1960 (Dragon,1985)
The Night Has A Thousand Eyes 1964 (Ronnie Scott's Jazz House, 1997)
Just The Way It Was-Live At The Left Bank (Label M, 2000)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: wikipedia

Fotografía: discogs.com

Carátulas discos: discogs.com