BENNY CARTER

Bennett Lester Caster, conocido artísticamente como Benny Carter, nació el 8 de agosto de 1907 en el Harlem de Nueva York y falleció a la edad de 95 años el 12 de julio de 2003 en Los Ángeles (California). Músico, arreglista y compositor estadounidense de jazz que tocó diversos instrumentos como: saxo, trompeta y clarinete.

Criado en un barrio donde la delincuencia era habitual, sus padres, de condición humilde pero muy aficionados a la música (el padre tocaba la guitarra y la madre el piano), alentaron a sus hijos al estudio de la música como forma de salir de la penuria. Tanto sus dos hermanas como el propio Benny recibieron clases de piano impartidas por su propia madre. Algunos miembros de la familia habían ya iniciado su carrera artística en bandas de éxito en los clubes de jazz de Nueva York en las décadas de los veinte y treinta, como pueda ser el caso de su primo Theodore "Cuban" Bennett, afamado trompetista, o Darnell Howard, clarinetista que tocó en varias bandas, como las de Joe "King" Oliver o Carroll Dickerson. El joven Benny estaba, pues, imbuido en el jazz de Harlem, barrio al que su familia acabó mudándose, no sin antes tomar clases de saxo y trompeta. También asistió a clases de teología en el Wilberforce College de Ohio, pero pronto comprendió que su camino se encontraba en la música. 

Con apenas 20 años Carter se había especializado en saxo alto, y poco a poco fue granjeándose fama de excelente músico, lo que le hizo ser incluido en bandas primero más modestas, como las dirigidas por Billy Page y Louis Deppe, y más tarde en las de figuras de tanto renombre como Fletcher Henderson o el mismísimo Duke Ellington. En 1932 se puso incluso al frente de su propia banda, al abandonar el hermano de Henderson, Horace, la suya, para lo cual cambió el nombre, llamando a la nueva formación Benny Carter Orchestra. Por ella pasaron algunos de los músicos más prometedores del incipiente swing, como Bill Coleman, DIcky Wells, Ben Webster, Chu Berry, Teddy Wilson o Sid Catlett. No obstante, dicha banda tuvo una efímera existencia, ya que la demanda del público, interesado más en el efectismo que en la calidad musical, no coincidía con la idea que Carter tenía de lo que debía ser una banda. También fue director de la orquesta McKinney's Cotton Pickers. 

Gracias a sus progresos interpretativos, Carter consiguió dominar, además del piano y el saxo alto, el clarinete, el saxo tenor y el trombón. A comienzos de la década de los treinta comenzó a hacer arreglos para muchas de las principales bandas de la época, algunas de la talla de las conducidas por Chick Webb y Benny Goodman, y terminó por unirse a una de ellas, la de Willie Lewes, con la que realizó una gira por Europa. La experiencia fue tan positiva que decidió quedarse a trabajar en el viejo continente por un período de tres años, durante los cuales residió en Francia, Holanda y Dinamarca. A instancias de Leonard Feather, Carter fue contratado como arreglista estable de la Orquesta de Baile de la BBC de Londres. En 1938, al comprobar el éxito que estaba teniendo el swing en Estados Unidos, regresó a su país para formar una big band que tocó habitualmente en el Harlem's Savoy Theater, aunque de nuevo tuvo que abandonar la idea, no dispuesto a seguir las veleidades del público. Tras esta última experiencia negativa, probó suerte de nuevo con un grupo, el Chocolate Dandies, en el que le acompañaron Coleman Hawkins y Roy Eldridge, y con el que cosechó un rotundo éxito. 

En 1945 se instaló en California y comenzó a componer música para bandas sonoras. A pesar de los problemas raciales imperantes en la sociedad estadounidense de aquella época, Carter consiguió abrirse camino y escribir música incluso para las tres grandes productoras: 20th Century Fox, la Warner Brothers y la Metro Goldwyn Mayer. En la década de los cincuenta realizó varias colaboraciones en los shows que Norman Granz conducía y que llevaban por título genérico Jazz at the Philharmonic, tocando de nuevo, entre otros, con Duke Ellington. Sufrió un ataque al corazón en 1956, pero no fue óbice para continuar con su actividad interpretativa y compositora, arreglando canciones para cantantes e intérpretes de la talla de Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Ray Charles, Louis Armstrong, Dexter Gordon, Don Byas o Dizzy Gillespie. Ya en la década de los setenta, empezó a trabajar como profesor visitante en la Facultad de Humanidades y en el Programa de Estudios Afro-Americanos de la Universidad de Princeton, además de colaborar con otras universidades, como la de Yale, Cornell y Duke, sin renunciar a las giras, como la que le llevó a Japón, donde se hizo muy popular, además de otras por Asia, Europa y Australia. 

En 1987 se unió a John Lewis y a la All-American Jazz Orchestra, cosechando un gran éxito, y ha continuado en activo como músico hasta la década de los noventa. Carter está considerado como uno de los músicos más versátiles de la historia del jazz, uno de los constructores del característico estilo de las big bands. Muchos han sido los homenajes que se la han tributado, como el celebrado en el Lincoln Center de Nueva York en 1989, en el que se celebró el 82 aniversario de Carter con una serie de conciertos que incluían sus composiciones. Mucho más reciente es el álbum de tributo aparecido en 1995, en el que varios artistas interpretan algunas de las composiciones más conocidas del artista, así como el Grammy que recibiera un año antes, en 1994, por la publicación de su álbum Elegy in blue. En 1982 Morroe Berger, de Princeton, publicó una biografía del músico: Benny Carter: una vida en la música americana. 

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Cosmopolite 1956

Three Giants 1957

Jazz Giant 1958

Further Definitions 1962

Autumn Leaves 1967

The Tatum Group, Masterpieces 1975

The King 1976

Carter, Gillespie, Inc. 1976

Montreux' 77 Live 1977

Live and Well in Japan 1978

The Best Of Benny Carter 1980

A Gentleman And His Music 1985

Wonderland 1986

Benny Carter And His Orchestra 1986

New York Nights 1987

Benny Carter Meets Oscar Peterson 1987

My Kind Of Trouble 1989
Elegy In Blue 1994

Best Of Benny Carter 1995

The More I See You 1995 (Con Oscar Peterson, Ray Brown y Clark Terry) 

Another Time, Another Place 1996 (Con Phil Woods)

Tickle Toe 1999

Sax A La Carter! 2004

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente:mcnbiografias.com
Fotografía: amazon.com
Carátulas discos: discogs.com

STÉPHANE GRAPPELLI

Stéphane Grappelli, nació el 26 de enero de 1908 en París y falleció en la misma ciudad el 1 de diciembre de 1997 a los 89 años de edad.

Grapelli disfrutó de una larga, prolífica y distinguida carrera como el principal instrumentista de violín en el jazz. Su música y su swing se le recordará siempre unido a la génesis del jazz en Europa de la mano del extraordinario grupo creado en Paris por Django Reinhardt - el mejor guitarrista de jazz europeo- y denominado el "Hot Club Quintet de France". Sólo en la última parte del siglo XX, otro violinista, Jean Luc Ponty, perteneciente a otra generación de músicos diferentes, se le ha acercado como posible rival. En su juventud  un músico autodidacta, si bien asistió al conservatorio de París desde 1924 hasta 1928. En 1927 se interesó por el jazz y comenzó a trabajar profesionalmente en cines y teatros aunque todavía, esas orquestas eran de baile como la estrafalaria "Grégor et ses Grégoriens". Antes de que terminase la década conoció a quien le iba a cambiar la vida musicalmente hablando, el guitarrista belga de raza gitana, Django Reinhardt. Empezaron a coincidir en sesiones musicales de manera informal hasta convertirse en el embrión de un grupo que tocaría un jazz excitante y desenvuelto con una base rítmica aportada por las guitarras de Django y su hermano. 

El "Hot Club Quintet de France" nació oficialmente en 1934 y no tardó mucho tiempo en convertirse en un combo muy popular por toda Europa. Grappelli estuvo con Django cinco largos y fructíferos años, y abandonó el grupo en 1939 con la II Guerra Mundial apuntando en el horizonte. Se trasladó a Londres donde actuó como solista en varios clubes y también colaboró con el pianista, George Shearing. Terminada la guerra regresó a Francia en 1946 y la muerte de Django un año antes, hizo que enfocara su carrera al margen del grupo creado por ambos. Por aquella época el papel del violín en el mundo del jazz era muy minoritario y Grappelli no obtuvo el reconocimiento y el favor del público hasta muy entrada la década de los sesenta. En 1969 participó en el festival de jazz de Newport y se unió en 1972 al trío del guitarrista, Diz Dizley. Desde entonces y prácticamente hasta su muerte, Stéphane Grappelli, grabó y viajó sin descanso por todo el mundo con diferentes tríos- su formato preferido- e incluso participó fuera del jazz con músicos adscritos a otras corrientes musicales como con el pianista, André Previn o el violinista de música clásica, Yehudi Menuhin.

DISCOGRAFÍA seleccionada:

ÁLBUMES:

Improvisations 1957

Jazz in Paris 1962 (Con Django Reinhardt)

Stuff and Steff 1965 (Con Stuff Smith)

Stéphane Grappelli Quartet vol.1 (Con Oscar Peterson) 1973 

Stéphane Grappelli Quartet vol.2 (Con Oscar Peterson) 1973

Ponty-Grappelli 1973

George Gershwin & Cole Porter 1974

Plays Cole Porter 1975

Young Django 1979

Compact Jazz 1987

Plays Jerome Kern 1987

Souvenirs 1988 (Con Django Reinhardt)

Jazz Masters 11 (1994)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: last.fm

Fotografía: last.fm

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MAX ROACH

Maxwell Lemuel Roach, conocido artísticamente como Max Roach, nació el 10 de enero de 1924 en New Land, Condado de Pasquotank (Carolina del Norte) y falleció a los 83 años en Nueva Jersey el 16 de agosto de 2007. Músico estadounidense, batería, director de orquesta y compositor. 

Roach representa una de las cumbres del jazz de medio siglo y uno de sus máximos innovadores. Perteneció al movimiento post bop llamado hard bop. Fue, sin duda, uno de los baterías más influyentes del siglo XX y, a su vez, uno de los más técnicos. Y no sólo demostró su genio como gran "drumer", sino que también destacó en el campo de la composición y en el educacional. Así, en 1984 creó la International Percussive Arts Society Hall of Fame. En 1988, además, recibió el premio Mac Arthur Foundation Fellowship, en reconocimiento a su contribución a la cultura musical norteamericana; y fue nombrado Commander of the Order of Arts and Letters en Francia, y Honorary Member of the Academy of Art and Letters, en la NEA Masters Award. Asimismo, fue premiado con un Grammy en 1995 por su grabación Jazz at Massey Hall. Ha sido profesor de teoría musical en la Universidad de Massachusetts. Su bautismo en el mundo de la música tuvo lugar a los ocho años, cuando ingresó en una banda de su ciudad tocando el fliscorno. Su madre, cantante de espirituales, le aconsejó dedicarse a la percusión al ver la facilidad que el joven Max tenía para el ritmo. Abandonó, pues, la práctica del fliscorno y se dedicó a estudiar percusión clásica en el Manhattan Conservatory of Music. Su obsesión por las big bands le llevó a frecuentar los conciertos en el Apollo (donde asiduamente se escuchaban formaciones de jazz) y en una sala de conciertos clásicos (en que se deleitaba escuchando orquestas sinfónicas). En 1942 se diplomó en percusión clásica, y a los 16 años, sustituyendo a Sonny Greer, llegó a tocar –algo muy difícil en la época- en la orquesta de Duke Ellington y, más tarde, en la de Count Basie. No obstante, la profesionalidad le llegó de la mano de Louis Jordan, quien le fichó para su banda.

A partir de 1942, su presencia en la Calle 52 –lugar plagado de clubes de jazz y cuna del nacimiento del bebop- se hizo notoria. Max Roach siguió el modelo de batería de Kenny Clarke –uno de los grandes de la época, que tocó, por ejemplo, con Armstrong, Billie Holiday, Gillespie o Parker-, además de los baterías “modelos”: Chick Webb y Big Sid Catlett. En 1944, fue contratado por Dizzy Gillespie para formar parte de su “quinteto”, y se hizo desde entonces habitual tanto en esta formación como en el grupo de Charlie Parker, fundadores ambos del movimiento bebop. En este “quinteto” también se integraron otros músicos influyentes: Oscar Pettiford, a quien más tarde incluyó Roach en sus formaciones, o el gran Coleman Hawkins. Fue la época, además, en que salió de gira con Benny Carter, un gigante del jazz en ese tiempo. Se trataba del otoño de 1945, un año singular, ya que otros grandes músicos también colaboraron con Parker, sea el caso de Gillespie o de un jovencísimo Miles Davis, quien ya desarrollaba su periplo jazzístico entre las grandes figuras del jazz. Como prueba de esto, se puede reseñar el disco The Early Bird; el lugar de encuentro no podía ser otro que la famosísima Calle 52 de Nueva York, centro neurálgico del jazz norteamericano en las décadas de los años cuarenta y cincuenta. Entre 1946 y 1949, el trabajo de Roach se diversificó en muchos frentes. Continuó, por un lado, participando en conciertos junto a Parker; y, por otro, entró en la primera banda de Miles Davis, lo que anunciaba el nacimiento del movimiento cool, orquesta dirigida por el sensacional Gil Evans, quien participó -junto a Miles- en grabaciones históricas a partir de 1948.

La década de los años 50 la emprendió Roach de nuevo con grandes colaboraciones. De un lado, su unión con Parker; de otro, y a partir de 1952, su inclusión en las formaciones de Thelonious Monk, con el que grabó alguno de los volúmenes de Genius of Modern Music. También en 1952 creó una pequeña compañía de discos –que luego resultó un fracaso- junto a Charlie Mingus. La compañía, que se llamó Debut, se hizo cargo de algunas grabaciones entre las cuales destaca un concierto memorable –Massey Hall Concert- grabado en Toronto, que contó con la participación de Parker, Gillespie, Bud Powell, Mingus y el propio Roach. Una formación inigualable dentro de la historia del jazz. En cualquier caso, en esta pequeña compañía también grabó Max Roach otro elepé mítico, junto al “quinteto” de Mingus, y cuyo título fue The Charlie Mingus Quintet + Max Roach. También en los años cincuenta se celebraron una serie de conciertos junto al “quinteto” de Clifford Brown, un “maldito” de la trompeta que murió muy joven y que escribió una leyenda de oro con su nombre. Esta formación dio lugar a un sinfín de grabaciones, de las cuales pueden destacarse los vinilos Brown and Roach Incorporated (1955) y At Basin Street (1956). En 1956 grabó otro álbum sobresaliente: Quiet as it’s Kept, en el que participaron los hermanos Turrentine (una auténtica sensación), Julian Priester (clarinete y trombón) y el contrabajista Robert Boswell. Puede escucharse como una verdadera joya, el solo a cargo de Roach en la pieza “Juliano”, sobre el marcado fraseo del contrabajista.

En 1960, Roach grabó un elepé mítico: We insist, Freedom Now Suite, junto a Coleman Hawkins, Booker Little y Oscar Brown Jr., que sentó los precedentes para la implantación del “nuevo” jazz. El álbum, cuya composición y arreglos estuvieron a cargo del propio Roach, constituyó además un manifiesto expreso para su generación, acuciada en esos años por el intenso racismo que se vivía en Estados Unidos. En el mismo año se asoció con Roy Eldridge, Eric Dolphy, Jo Jones y Charlie Mingus para grabar el disco Newport Rebels, también de enorme trascendencia. En 1961 grabó para el sello Impulse! otro decisivo álbum titulado It's Time, que trataba de continuar lo expresado en We insist... Esta vez contó con la colaboración de Clifford Jordan y Mal Waldron. Después llegó su importante reunión con Eric Dolphy –muy unido en esta época a John Coltrane- en el disco Percussion Bitter Sweet (1961). En 1962 grabó otro disco memorable: Money Jungle, al lado de dos “grandes” del jazz como eran Duke Ellington y Charlie Mingus, con quienes, además, se unió al naciente movimiento free. Hacia la mitad de década, Roach grabó varios soportes sonoros entre los cuales destaca Drums Unlimited (1966) o Lift Every Voice and Sing (1971), este último recuperando la antigua fórmula del “quinteto”. La grabación contaba con la participación de algunos músicos brillantes como el trompetista Freddie Hubbard, Billy Harper o Cecil Bridgewater.

Parece fundamental en la biografía de Max Roach la fecha de 1973, pues fue en esa fecha cuando creó el "M’Boom Re: Percussion", junto a Joe Chambers, Roy Brooks, Warren Smith, Omar Clay y Freddie Waits, cima de la historia de la percusión de jazz, y con los que recorrió todo el mundo. Fueron años en los que Max Roach alternaba entre el grupo antes citado y su “cuarteto” base, al que sumaba alguna vez un “cuarteto de cuerda”. Desde 1976, Roach se encontró en numerosas ocasiones vinculado con la recién nacida estética free. Tocó con Archie Shepp (con quien grabó Force, 1976); Anthony Braxton (Birth and Rebirth, 1978); y el gran Cecil Taylor, tótem sagrado de este movimiento –junto a Ornette Coleman-, de cuyo encuentro queda la grabación Historic Concerts, de 1985. Ya en la década de los años ochenta, Roach grabó junto a Bernard Lubat, Eddy Louis y Manu Dibango. Digna de mención fue su colaboración con el cantante Salif Keita en un Concierto-Manifiesto a favor de la liberación de Nelson Mandela. Al margen de su periplo jazzístico, este músico genial compuso la música de la obra "Sueño de una noche de verano", de William Shakespeare, para el San Diego Repertory Theatre; o la suite "Toot Sweet", en cinco movimientos, para orquesta de cámara y batería, en 1985.

Max Roach es uno de los baterías más influyentes en la historia del jazz del siglo XX. Concretamente, en las décadas de los años cincuenta, sesenta y setenta, su influencia fue decisiva para las “nuevas” generaciones de baterías. Su extraordinaria técnica lo elevó a lo más alto del mundo jazzístico. Dicha técnica, depurada al máximo, es clara, ágil y contundente a la vez. Su redoble es preciso, lo que le lleva a expresar cierta polirritmia conceptual difícil de igualar. A su vez, su toque de platillo es fino y elegante, capaz de llenar el espacio sonoro del grupo actuante; mientras que sus contrapuntos rítmicos son de una enorme complejidad. Este acompañamiento –propiciado por su endiablada mano izquierda- desarrolla grupos de figuras rítmicas nada convencionales, para lo cual emplea los soportes tímbricos de los tamtanes de la batería. Así pues, varían las acentuaciones desde el más agudo al más grave, lo que da lugar al germen de la ya mencionada polirritmia de su estilo, siempre inconfundible y elegante. Max Roach desarrolló una escuela de batería –llevada a Cursos Internacionales por distintos países del mundo- que ha perdurado hasta finales del siglo XX. Su extraordinaria técnica le llevó, por ejemplo, a ejecutar continuos y sugerentes solos de batería tanto en audiciones en vivo como en grabaciones, tal y como puede apreciarse en su elepé Drum Conversation, de 1958. Uno de sus principales “números” era tocar durante veinte minutos un solo de batería utilizando únicamente el hi-hat o charles. Original y contundente, el estilo de Roach le convirtió en uno de los mejores “solistas” de la historia del jazz.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Jazz At Massey Hall 1953
The Charlie Mingus Quintet + Max Roach 1953
Brown and Roach Incorporated 1955

The Early Bird 1956 (Charlie Parker with Miles Davis) 
At Basin Street 1956 (Con Clifford Brown)
Jazz In 3/4 Time 1957
Drum Conversation 1958
Quiet as it’s Kept 1959
We insist, Freedom Now Suite 1960
Newport Rebels 1960
Parisian sketches 1960
It's Time 1961
Percussion Bitter Sweet 1961
Money Jungle 1962
Drums Unlimited 1966
The Charlie Mingus Quintet + Max Roach 1968
Lift Every Voice and Sing 1971
Force 1976
Birth and Rebirth 1978
Historic Concerts 1985

Carpetas del resto de ÁLBUMES mencionados:

Fuente: mcnbiografias.com/Ricardo P. Virtanen
Fotografía: newyorker.com
Carátulas discos: discogs.com