STAN KENTON

Stanley Newcomb Kenton, conocido artísticamente como Stan Kenton, nació el 15 de diciembre de 1911 en Wichita (Kansas) y falleció, a los 67 años de edad, el 25 de agosto de 1979 en Los Ángeles (California). Músico estadounidense de jazz, director de big band, arreglista, compositor y pianista.

Director de una de las orquestas de swing de mayor éxito de la década de los cuarenta. Hijo de una pianista, comenzó a estudiar bajo tutela familiar y con diversos profesores particulares desde muy niño, una vez trasladada toda la familia a Los Ángeles. Estudió sobre todo música clásica (que tanto le influiría), particularmente armonía y composición. Interesado en el jazz, comenzó a hacerse notar en la costa oeste como arreglista con sólo dieciséis años, y en 1934, cuando ya era habitual de las jam sessions de los pequeños clubes nocturnos, obtuvo su primer contrato en la orquesta de Everett Hoagland, al que siguieron otros con Gus Arnheim, Vido Musso y Johnny Davis. En 1940 montó su primera orquesta con nueve músicos, número que iría ampliándose progresivamente hasta 1947, de la misma forma que se fueron incrementando sus seguidores. Contando ya con Art Pepper en el saxofón y Shalley Mann en los tambores, la orquesta grabó en 1943 para la Capitol Eager Beavier y Artistry in Rhythm, dos composiciones que fueron radiadas hasta la saciedad por todo el país y que convirtieron a la orquesta de Kenton en la más famosa de la época. Un año más tarde se incorporaron a la formación Gene Roland como arreglista, Anita O'Day como cantante y un jovencísimo Stan Getz, de diecisiete años, como saxofonista.

Un año más tarde, O'Day fue sustituida por June Christy y se incorporó Pete Rugolo como segundo arreglista. La orquesta, que comenzaba a tomar dimensiones sinfónicas, grabó en 1946 Fantasy, Just a Sittin' and a Rockin', Ain't Misery, Opus in Pastels, Willow Weep for Me y algunos grandes éxitos de la época: Ritorna a Sorrento (llamado para la ocasión Come Back to Sorrento), Santa Lucía y el famoso Concerto to End All Concertos. Ello muestra hasta qué punto Kenton se movía en varias direcciones, a menudo opuestas, entre las que están las baladas más condescendientes, la música popular ajena al entorno jazzístico y la experimentación de vanguardia. En esta orquesta (y en todas las que siguieron) decidió deliberadamente evitar casi todas las ideas convencionales que se habían mostrado válidas en la organización de big bands de jazz, lo que le valió cierta fama de pretencioso, adjetivo que no es inverosímil si se examinan sus últimas composiciones. A Kenton le gustaba el gran volumen, los trabajos complejos, muy estructurados y llenos de arreglos, los guiños a la música clásica contemporánea y las orquestas con más de cuarenta miembros, a las que raras veces pudo pagar. Sin embargo, era un director muy comercial que estaba obligado a seguir manteniendo al público fiel a las orquestas tradicionales de jazz, por lo que debía alcanzar a menudo compromisos difíciles entre su ambición y su negocio. 


Los resultados no siempre fueron del agrado de la prensa especializada: para algunos era uno de los mejores compositores del siglo XX y para otros un mero payaso. El resultado fue que todo el mundo musical hablaba de la orquesta de Kenton, ya fuera con halagos o con descalificaciones, lo que, si bien incrementó quizás desmesuradamente sus ventas, acabó pasando factura a su salud: en 1947 decidió disolver la orquesta y retirarse, víctima de una depresión nerviosa. Seis meses aguantó sin subirse a los escenarios y, en otoño de aquel año, volvió a hacer temblar los cimientos de la música estadounidense con una orquesta con cinco trompetistas, cinco trombones, contrabajo, guitarra, percusión, batería y el propio Kenton sentado al piano. La etiqueta que se buscó para semejante propuesta fue jazz progresivo, y grabó temas como Over the Rainbow, Machito, Fugue for Rhythm Section, Chorale for Brass, Piano and Bongo, The City of Glass y Elegy for Alto, composiciones unas veces propias y otras de sus arreglistas que toman elementos de la música clásica del siglo XX (con frases explícitas de Maurice Ravel e Igor Stravinsky) y de la música latina, que por entonces causaba furor en las pistas de baile. La orquesta seguía oscilando, pues, entre las disonancias propias de la llamada música culta y las resoluciones armónicas convencionales del swing de los años cuarenta, extremos harto difíciles de conciliar. En cierta manera esta orquesta fue precursora del free jazz que caracterizó a la segunda mitad de la década de los sesenta.

Su falta de cohesión interna propició la disolución a finales de 1948, y su creador pensó de nuevo seriamente retirarse de la escena, según él mismo declaró, para dedicarse a la psiquiatría. Afortunadamente, cuatro años más tarde volvía a los escenarios con energías renovadas y con una impresionante orquesta que contaba con una nutrida sección de cuerda clásica (nueve violines, tres violas, tres violoncellos), una tuba, dos trombonistas, dos cornos franceses, el gran Bud Shank con el saxofón contralto, Art Pepper con el tenor, Shelley Manne como baterista, Maynard Ferguson y Shorty Rogers con las trompetas y otros músicos hasta un total de cuarenta. Con esta formación grabó el disco Innovations in Modern Music, en el que insistía en la mezcla de material clásico y jazzístico, con canciones como Mirage, Trajectoires, Solitaire, varios conciertos para sus solistas y obras de inspiración cubana como Viva Prado, dedicada al inolvidable autor del Mambo nº 8, por entonces de rabiosa actualidad. Aunque tuvo una aceptación bastante buena por parte del público, que llenó los teatros donde actuaba, la orquesta fue, como era de prever, un rotundo fracaso económico. Kenton decidió prescindir de los músicos clásicos, reducir la orquesta a algo más llevadero y moderar más sus pretensiones innovadoras en favor de un repertorio más digerible por el público del jazz.


Así, marchó de gira por Europa en 1953, y el buen hacer de los músicos (entre los que se encontraban ya los excelentes Lee Koonitz y Zoot Sims) y de sus nuevos arreglistas (en particular un poco entusiasta Gerry Mulligan que, pese a todo, escribió trabajos de gran calidad) hizo de esta empresa un éxito de crítica y público durante los años en que estuvo en activo. La llegada del rock and roll, que arrebató el público masivo al jazz, y del hard bop, que hizo lo propio con los pocos amantes que le quedaban al jazz de las big bands, produjo una crisis en el seno de la orquesta que Kenton intentó soslayar sacando otro as de la manga: una nueva orquesta de grandes dimensiones, que contaba con instrumentos tan exóticos como tres melófonos. Dos años de gira, en los que no conocieron otra cosa que un enorme desinterés, dieron al traste con la orquesta, y Kenton se retiró una vez más. Un año después atacó de nuevo con las fórmulas antaño ensayadas, una nueva Neophonic Orchestra que insistía en hermanar tradición jazzística y vanguardia clásica. Entre sus componentes se encontraban Lalo Schifrin, Michel Legrand y Rugolo, su brazo derecho. La orquesta presentaba en cada actuación una estrella invitada, y acudieron a su llamada músicos de la talla de Miles Davis, Gerry Mulligan, Dizzy Gillespie y George Shearing, entre otros. La aventura estuvo en activo entre 1964 y 1967. Nada nuevo hizo desde entonces el gran Kenton, salvo aparecer, cada vez con menor frecuencia, en los festivales de jazz para recrear aquellas piezas que le hicieron famoso, como Opus In Pastel y Artistry In Rhythm.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Innovations in Modern Music 1950
A Presentation of Progresive Jazz 1950
Stan Kenton Presents 1951
City of Glass 1952

City of Glass & This Modern World 1953

New Concepts of Artistry in Rhythm 1953
Portraits on Standards 1953
Sketches on Standards 1953
Contemporany Concepts1955

Duet by June Christy 1955
Popular favorites by Stan Kenton 1955
Kenton in Hi-Fi 1956
Back to Balboa 1958

Lush Interlude 1958 
The Ballad Style of Stan Kenton 1958
The Stage Doors Swing 1958
Viva Kenton! 1959
Standards in Silhouette 1960
Stan's Kenton Greatest Hits 1965

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: biografiasyvidas.com

Fotografía: pinterest.com

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JIMMY GIUFFRE

James Peter Giuffre, conocido artísticamente como Jimmy Giuffre, nació el 26 de abril de 1921 en Dallas (Texas) y falleció a la edad de 80 años el 24 de abril de 2008 en Pittsfield (Massachusetts). Saxofonista, clarinetista, flautista y arreglista estadounidense de jazz.

Comenzó aprendiendo a tocar el clarinete en una banda militar (1944), pasando después a tocar en diversas big bands, como las de Jimmy Dorsey o Buddy Rich, uniéndose en 1949 a los Second Herd de Woody Herman. Será Herman quien adapte un tema compuesto por Giuffre en 1946, cuando estaba en la banda de Gene Roland, Four Brothers, y lo convierta en uno de los clásicos premonitorios del jazz de la Costa Oeste y el cool. En los años 50, participa activamente en la escena de la Costa Oeste, trabajando con los Giants de Shorty Rogers o con sus propios grupos, que incluían a gente como Bob Brookmeyer, Jim Hall o Pee Wee Russell. Colabora, igualmente, con el Modern Jazz Quartet (1957). En los años 60, Giuffre milita, como casi todos, en el free jazz, colaborando con Carla Bley y Steve Swallow, y permaneciendo en Francia casi cinco años. Influenciado por la música oriental, colabora más tarde con Paul Bley y trabaja con sintetizadores y música electrónica.

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Los periodos más fructíferos de Giuffre, son sus grabaciones para Atlantic Records (1956-1958) y para Verve (1959-1961). En el primero de ellos, realiza una música de raíces, en compañía de Jim Hall y Ralph Peña, cuyo compendio es Western Suite, dedicada a los apaches, a los horizontes míticos de las Grandes Llanuras y la conquista del Oeste. Junto con obras como The train and the river (1958), su música adquiere un valor de intemporalidad simbólica, constituida por alientos bluesy, down home y folkies. Giuffre es, en muchos aspectos, uno de los inventores del jazz moderno, por su fecunda alianza entre la forma libre y la necesidad de mantener una forma, hasta el punto de que su disco con Shelly Manne y Shorty Rogers, The Three, merece estar junto al "Kind of the blue" de Miles Davis, en el panteón de la modernidad jazzística.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Jimmy Giuffre 1954

Tangents in Jazz 1954

The Jimmy Giuffre Clarinet 1956

The Jimmy Giuffre 3 (1957)

The Original Trio (Con Jim Hall) 1957

Western Suite 1958

Trav' Lin' Light 1958

The Four Brothers Sound 1959

The Easy Way 1959

7 Pieces 1959

Fusion 1961

Thesis 1961

Free Fall 1963

The Train and The River 1967

The Jimmy Giuffre 3 / Hollywood & Newport 1957-1958 (1992)

Night Dance 2002

Complete Recordings (con The Modern Jazz Quartet) 2005

Complete Quintet Sessions (con Shelly Manne y Shorty Rogers) 2006

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: wikipedia

Fotografía:  pinsdaddy.com

Carátulas discos: discogs.com

THAD JONES

Thaddeus Joseph Jones, conocido artísticamente como Thad Jones nació el 28 de marzo de 1923 en Pontiac (Michigan) y falleció a la edad de 63 años el 20 de agosto de 1986 en Copenhague (Dinamarca). Trompetista, cornetista, y compositor/arreglista de jazz estadounidense.

Su trayectoria se ajusta estilísticamente a los periodos del bop y del hardbop, aunque se mantuvo siempre próximo al mainstream. Hermano de los otros músicos de jazz, Hank Jones y Elvin Jones) tuvo una carrera muy productiva. Autodidacta en el aprendizaje de la trompeta, empezó a tocar profesionalmente cuando tenía 16 años con Hank Jones y Sonny Stitt. Thad había escuchado las emisiones de radio de Louis Armstrong, y después de oír al trompetista actuar en Detroit, se decidió a convertirse en trompetista. Consiguió una trompeta de segunda mano por su tío Williams, Jones pronto cambió a la corneta cuando se unió a la banda de su escuela (a través de su carrera Jones tocó sobre todo la corneta). A los dieciséis años, él y su hermano Hank tocaron en un conjunto semi-profesional, la Arcadia Club Band, que se presentó para funciones escolares y eventos de fin de semana. En 1941 Jones dejó la Arcadia para realizar en una gira por el Sur con la banda de Connie Connell. 


Después de un período de dos años con Connell, tuvo un compromiso corto con la banda de doce piezas de Red Calhoun. Reclutado por el ejército durante 1943, fue instalado en Camp Walters, Texas. Unos meses antes de su licenciamiento, se unió a la banda militar patrocinada por la 8ª División de Servicios Especiales de la Fuerza Aérea. Tras el servicio militar (1943-46), Jones trabajó en bandas regionales en el Midwest. Durante los años 1950-1953 actuó regularmente con el quinteto de Billy Mitchell en Detroit e hizo unas pocas grabaciones con Charles Mingus (1954-1955). Jones se hizo conocido durante su larga etapa con la orquesta de Count Basie (1954-1963). Mientras estuvo en ella, Jones tuvo la oportunidad de escribir algunos arreglos y tras 1963 ejerció como arreglista de forma individual. Se unió al grupo de la CBS, colideró un quinteto con Pepper Adams y hacia finales de 1963 organizó una big band con el batería Mel Lewis que desde febrero de 1966 tocó todos los lunes por la noche en el Village Vanguard.

Durante la década siguiente, la orquesta se hizo famosa y permitió seguir escribiendo a Jones. Compuso un estándar ("A Child Is Born") además de varios temas interesantes como "Fingers", "Little Pixie" y "Tiptoe". En 1978, Jones sorprendió a Lewis abandonando el grupo y yéndose a Dinamarca, hecho que nunca explicó. Thad pasó parte de la década de 1970 y la primera mitad de la década de 1980 en Dinamarca, donde habitaban muchos músicos de jazz estadounidenses. Mientras estaba allí, se hizo cargo de la Danish Radio Big Band y la convirtió en uno de los mejores conjuntos del mundo. También compuso, arregló, enseñó y siguió enseñando durante este período. Regresó a los Estados Unidos en 1985 para hacerse cargo del liderazgo de la banda de su último mentor, Count Basie. Por desgracia, pronto se enfermó y tuvo que renunciar, y se trasladó de nuevo a Europa, donde fue hospitalizado durante meses. También lideró su propio grupo llamado Eclipse. El Dr. David Demsey, Coordinador de Estudios de Jazz y Conservador del Thad Jones Archive en la Universidad William Paterson, se ha referido a Thad como un "sabio" cuando se trata de sus habilidades para arreglar jazz. 

Pocas personas han tenido una banda de gran resonancia en su cabeza como Thad Jones hizo. Cada matiz de cada instrumento, cada melodía, cada dinámica y sombra de color se representan vívidamente en su mente increíblemente fértil. También tenía gran habilidad para escribir música para otros, lo que refleja claramente el estilo y el sonido de los artistas para los que trabajó, pero refleja firmemente la propia huella musical de Thad. Cuando uno asiste a un concierto de jazz y escucha una banda tocando una colección de canciones de un grupo de los arreglistas más grandes del jazz, Thad todavía destaca. La profesionalidad de Thad Jones acentuó la profundidad de su arte. Sus arreglos están llenos de vida, a menudo son muy complejos, pero conservan una exuberancia juguetona que los hace memorables y agradables de escuchar, aprender y tocar. Ellos contienen complejidades que son apreciados por los mejores intérpretes, pero al mismo tiempo tienen tal riqueza armónica y calidez que incluso el oyente más informal disfruta también. 

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Con Thelonious Monk:
Brilliance

Con Count Basie:
Kansas City Suite 1960
Count Basie At The Kansas City Seven 1962
Easin' It 1963

Con Sonny Rollins:
Now's The Time

Como Líder:

The Fabulous Thad Jones  1954
Thad Jones 1956
Detroit-New York Junction 1956
The Magnificent Thad Jones 1957

Mad Thad 1957 
The Magnificent Thad Jones vol. 3 1957
Mean What You Say (1966,con Pepper Adams Quintet)
Monday Night At The Village Vanguard 1969
Central Park North (1969, con Mel Lewis Jazz Orchestra)
Consummation (1970, con Mel Lewis)
Potpourri (1974, con Mel Lewis)
Thad Jones-Mel Lewis 1975
Suite For Pops (1975, con Mel Lewis)
New Life (1976, con Mel Lewis)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados,

Con Thelonious Monk:

Con Count Basie:

Con Sonny Rollins:

Como Líder:

Fuente: wikipedia
Fotografía: pinterest.com
Carátulas discos: rateyourmusic.com/discogs.com