ANITA O'DAY

Anita Belle Colton, conocida artísticamente como Anita O'Day, nació en Chicago  (Illinois) el 19 de octubre de 1919 y falleció a la edad de 87 años, a causa de una neumonía, el 23 de noviembre de 2006 en Los Ángeles (California). Cantante estadounidense de jazz.

De origen pobre, sobrevivió a los años de la Depresión actuando en los populares maratones de baile que fueron la válvula de escape para una inmensa mayoría de norteamericanos llevados a la miseria por el crack de Wall Street. Fue entonces cuando adoptó el nombre artístico que le acompañaría hasta el fin de sus días: "Me pareció que era un nombre muy enrollado porque, en el argot, O'Day significa pasta, que era lo que yo esperaba hacer". Tras ser rechazada por Benny Goodman (que prefirió a Peggy Lee), en el año 1941, se unió a la orquesta del baterista Gene Krupa, en cuyas filas militaba el trompetista Roy Eldridge. Anita formaría con Eldridge una de las parejas artísticas interraciales más singulares y menos convencionales del espectáculo. No sólo desafiaron el sistema de "apartheid" imperante en el país sino que obtuvieron un notable éxito entre los swing fans, tanto negros como blancos, con piezas como "Let me off uptown o Drummin' man". 

El carácter ferozmente independiente de la cantante -"Anita fue la típica hippy prematura", en palabras del crítico Leonard Feather- salió a la luz por el tipo de compañías que frecuentaba pero incluso por el atuendo ausente de todo glamour que utilizaba para sus apariciones en público. Una rebeca y una falda abierta absolutamente anodinas constituían su "escandalosa" indumentaria, tanto dentro como fuera del escenario. Con ello, desafiaba a los críticos y aficionados en su costumbre de juzgar a las cantantes de orquesta únicamente por su apariencia. Además, estaba lo que su atuendo dejaba ver. No en vano, por aquel tiempo, la cantante se ganó un título: el de las piernas más bonitas del jazz. Tras dejar a Krupa, cantó por un breve tiempo en las orquestas de Woody Herman y Stan Kenton (su versión de "And her tears flowed like wine" fue uno de los mayores éxitos en la carrera del discutido director de orquesta). 

Por lo demás, la vida de Anita era un torbellino sin fin de drogas, alcohol, matrimonios, abortos, divorcios... en el año 1947 fue arrestada por primera vez por posesión de marihuana. Cinco años más tarde fue nuevamente detenida y pasó una temporada entre rejas. Después de que su adición a la heroína estuviera a punto de costarle la vida, en los años sesenta, se sometió a una cura de rehabilitación gracias a la cual pudo continuar con su carrera, algo por lo que nadie hubiera apostado un céntimo, y de hecho, siguió cantando hasta los 86 años. Para el recuerdo quedan sus álbumes grabados junto al arreglista Billy May, en los años cincuenta -su momento de plenitud- para el sello Verve (Anita O'Day swings Cole Porter with Billy May, Anita O'Day and Billy May swing Rodgers And Hart); o su aparición estelar en el Festival de Newport del año 1958, recogida en el filme "Jazz on a summer's day". Anita O'Day no se consideraba a sí misma como una cantante sino una "estilista de la canción". Para el fotógrafo William Claxton fue "una mujer extremadamente inteligente con energía para mover un tren"; "una cantante con un contagioso sentido del swing y una febril practicante del scat" (Ellos y Ellas. Las grandes voces del jazz). 

En el año 1981 vio la luz su autobiografía, "Hard times, high times", escrita en colaboración con George Eells (autor de, entre otras, la biografía del actor Robert Mitchum): un "documento de una brutal honestidad" en el que repasa su controvertida existencia a cara descubierta y sin esconderse en ningún momento. El año 2007 se estrenó un filme documental sobre su vida: "Anita O'Day: Life of a jazz singer", con guión de Will Friedwald. Su paso por nuestro país fue fugaz y tardío. En 1987 actuó en el Festival de Jazz de Madrid, la primera y última ocasión que lo hizo en la capital del Estado. También cantó en Valencia, junto a la orquesta del clarinetista Buddy DeFranco; y en Barcelona, en el año 1970, acompañada por el trío del pianista francés George Arvanitas. Según su representante, Robbie Cavolina, la cantante no tenía hijos ni ningún familiar cercano.Vivió rápido pero no murió joven. Superviviente de la era dorada de las big bands y la única cantante de jazz de piel blanca comparable a las más grandes -Ella Fitzgerald, Billie Holiday o Sarah Vaughan-.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Singin' And Swingin' 1952
Sings Jazz 1955
The Lady Is A Tramp 1957
Anita O'Day swings Cole Porter with Billy May 1959 
Pick Yourself Up With Anita O'day 1 (1959)
Incomparable! 1960
Anita O'Day and Billy May swing Rodgers And Hart 1960
All The Sad Young men 1962
Time For 2 (Con Cal Tjader) 1962
The Big Band Sessions 1979
Once Upon A Summertime 1982
Compact Jazz 1993
Jazz Masters 49 (1995) 
Let Me Off Uptown! (Con Gene Krupa) 1999 
Finest Hour 2000
The Diva Series 2003

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente:elpais.com
Fotografía: fanart.tv
Carátulas discos: discogs.com

BENNY GOODMAN

Benjamín David Goodman, conocido artísticamente como Benny Goodman, nació el 30 de mayo de 1909, en Chicago (Illinois) y falleció a los 77 años de un infarto agudo de miocardio el 13 de junio de 1986 en Nueva York. Clarinetista estadounidense de jazz y director de orquesta.

Fue el octavo de once hijos. Su padre era sastre, y la familia era pobre, pero los Goodman creía en la educación de todo tipo. Cuando su padre se enteró de que la sinagoga local daba clases de música e instrumentos alquilados a precios muy bajos, envió al joven Benny y a dos de sus hermanos mayores también. El niño más grande llegó a casa con una tuba, el medio con una trompeta, y Benny como el más joven y el más pequeño, llegó a casa con un clarinete. Primero tomó lecciones en la sinagoga y más tarde estudió en la filantrópica Hull House de Jane Addams, donde fue instruido por un miembro de la orquesta sinfónica de Chicago. En el momento Goodman tenía trece años, ya estaba tocando profesionalmente y había recibido su primera tarjeta del sindicato. Tocaba en los barcos de excursión que atravesaban el lago Michigan y, en 1923 fue músico estable en un salón de baile llamado de Guyon´s Paradise. Cuando Goodman tuvo dieciséis años de edad, viajó a Los Ángeles, California, para tocar con la banda de Ben Pollack.

Mientras estaba con ellos participó en las sesiones de grabación de la banda; además los solos de clarinete mostraban la influencia de músicos como Jimmie Noone y Leo Roppolo; también incursionó con el saxofón. Después de aproximadamente cuatro años, Goodman dejó a Pollack y se ganaba la vida en forma independiente, trabajando en grabaciones y en la radio. A pesar de que tuvo bastante éxito, se vio afectado por la Gran Depresión, y no renunciaba a la posibilidad de tocar en bailes universitarios con bandas que él había formado debido a que, esta vez, él debía ayudar a su madre viuda. La fortuna del joven clarinetista fue alterada para siempre a finales de 1933, cuando conoció al entusiasta del jazz John Henry Hammond. Hammond animó a Goodman a formar un grupo de jazz y, aunque Goodman tenía la intención de usar la banda en una sesión de grabación para el público inglés, los cortes resultantes también fueron lanzados por Columbia en los Estados Unidos. En 1934, Goodman y su banda habían actuado en el famoso Salón de Música de Billy Rose, y fueron presentados en el programa de radio de la National Broadcasting Corporation, "Let's Dance". 

Aunque una gira de invierno posterior fue desalentadora para Goodman y sus músicos, tuvieron una enorme popularidad cuando tocaron en el Palomar Ballroom en Los Ángeles. A partir de ese momento, Goodman fue una celebridad musical. Pasó de tocar conciertos en exitosas bandas de jazz a tocar en lugares tales como Carnegie Hall y, uno de sus concierto más memorables, en el Paramount Theatre en 1937. Los compases de canciones como "One O'Clock jump", "Stompin at the Savoy", "Air Mail Special" y "Do not Be That Way", dominaron las ondas de radio de los Estados Unidos. El clarinetista y su banda también aparecieron en unas cuantas películas. Goodman hizo historia al convertirse en el primer líder blanco de una banda en integrar a su grupo a un músico negro cuando contrató al pianista Teddy Wilson en 1936. Con Wilson, los miembros principales de Goodman eran Gene Krupa en la batería y después de 1937, Lionel Hampton, otro artista de jazz negro, en los vibráfonos. Según la revista de Maclean, Goodman se negaba a dar conciertos en los estados del sur, donde la audiencia estaba segregada por raza. Después de la Segunda Guerra Mundial, la combinación de una disminución en la popularidad del sonido de las grandes bandas y las preocupaciones de salud de Goodman impulsaron al clarinetista a disolver su banda.

Ya en 1938 Goodman había comenzado a interesarse por el clarinete clásico y en 1949 comenzó a estudiar con el famoso clarinetista clásico Reginald Kell. Kell le enseñó un enfoque completamente nuevo del instrumento, pero los críticos concluyeron que el estilo único de Goodman sólo había sido mejorado con estos cambios. Goodman también pasó algún tiempo como profesor de conservatorio, de vez en cuando enseñando en la Juilliard School of Music. Después de 1955, año en que la historia de la vida de Goodman se convirtió en un largometraje protagonizado por Steve Allen, el interés renovado en su música, agitado por la película, indujo al clarinetista a formar otra banda de jazz. Además de prestigiosas presentaciones en Nueva York y otras ciudades de Estados Unidos, Goodman llevó su música al resto del mundo. Recorrió el Lejano Oriente de 1956 a 1957 y Europa en 1959. Como parte de un programa de intercambio cultural, se convirtió en el primer hombre en recorrer la Unión Soviética con una banda de jazz, que fue muy bien recibida por el público soviético. Goodman continuó actuando y grabando durante el resto de su vida y acumuló muchos honores, incluyendo el reconocimiento del Kennedy Center, un premio Grammy por logros de la vida y, un mes antes de su muerte, un doctorado honorario de música de la Universidad de Columbia.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

B.G. in HI-FI 1954

Jazz Concerto nº 2 1937-1938 (1954)

Classics in Jazz 1954

The Benny Goodman Story 1955

This Is Benny Goodman And His Orchestra 1955

The Famous 1938 Carnegie Hall Jazz Concert 1956

The Great Benny Goodman 1956

Combos 1956

Gold Standards Series 1957

Happy Session 1958

Swing Into Spring 1959

Benny Rides Again! 1960

Swing, Swing, Swing 1960

Together Again 1963

Hello Benny! 1964

Benny Goodman Today 1970

King of Swing 1972

The Hits of Benny Goodman 1974

The Complete Benny Goodman vol. VI 1938 (1980)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente; biografias.es

Fotografía: pinterest.com

Carátulas discos: discogs.com

STANLEY JORDAN

Stanley Jordan, virtuoso guitarrista estadounidense de jazz, nació el 31 de julio de 1959 en Chicago (Illinois).

Saltó a la fama a principios de los años 80 por una técnica novedosa de tocar la guitarra que consiste en presionar las cuerdas con las dos manos, en lugar de la tradicional de rasgar con los dedos de una mano y presionar las cuerdas contra el mástil con los dedos de la otra. Basándose en esta técnica consigue reproducir el sonido de dos y hasta tres guitarras o de acompañar el sonido principal con líneas de bajo. Esta técnica es conocida como "tapping". Con ella Stanley consigue armonías complejas y sonidos limpios similares a los del piano. Pese a no ser el primer guitarrista en utilizar esta técnica, si es el primero que la lleva a extremos de uso exclusivo en su producción musical.

Graduado en Princeton en 1981 en Música y Armonía, se inició en la música desde pequeño a través del piano, lo que posteriormente le ayudó a iniciarse en la guitarra eléctrica en la técnica del "tapping". Tras su graduación comenzó a tocar en las calles de Nueva York hasta que fue fichado por Blue Note Records lanzando su primer álbum de éxito Magic touch en 1985, que obtuvo dos nominaciones a los Grammy y permaneció en las listas de discos más vendidos de jazz en EE.UU. durante casi un año.

Pese a este enorme éxito, y a aparecer en algunas películas como "Cita a ciegas" o en programas de televisión de gran repercusión, la producción musical de Stanley Jordan no ha sido tan espectacular como se pudo esperar después de su exitoso debut, ya que ha dedicado gran parte de su tiempo a experimentar en el campo de la músico-terapia. Sus detractores argumentan que Stanley abusa de esta técnica, lo cual le resta posibilidades al tiempo que complica la actuación con otros instrumentos.

Una de las características particulares es la afinación que usa en la guitarra, que es, de grave a agudo, EADGCF (Mi, La, Re, Sol, Do Fa) lo cual lleva a la afinación en cuartas al estilo del Chapman Stick, e inversa a la de algunos instrumentos de cuerda frotada (como el violín o el violoncello). Nótese que las cuerdas más agudas tienen este intervalo en lugar de la alteración a tercera mayor en la segunda cuerda, que lleva a B y E en la afinación tradicional. Jordan reside actualmente en Sedona (Arizona) donde tiene su empresa "Sedona Books and Music". También es alumno de la Universidad Estatal de Arizona donde cursa estudios de terapia musical.

ÁLBUMES oficiales:

Touch sensitive (1982)
Magic touch (1985)
Standards, vol. 1 (1986)
Flying home (1988)
Cornucopia (1990)
Stolen moments (1991)
Bolero (1994)
The best of Stanley Jordan (1995)
Stanley Jordan live in New York (1998)
Relaxing music for difficult situations, I (2003)
Ragas feat. Jay Kishor (2004)
Dreams of peace (2004), con la banda italiana de jazz Novecento
State of nature (2008)
Friends (2011)

Carátulas de los ÁLBUMES mencionados:

Fuente: Wikipedia
Fotografía: artistdirects.com
Carátulas discos: lastfm.es/amazon.com/discogs.com/sunrisemusics.com