Cécile McLorin
Salvant, nació el 28 de agosto de 1989 en Miami (Florida). Vocalista de jazz estadounidense.
Su padre médico haitiano y su madre francesa, fundadora y presidenta de una escuela de inmersión de francés en Miami. Salvant comenzó sus estudios de piano clásico a la edad de cinco años, y comenzó a cantar en la Sociedad Coral de Miami cuando tenía ocho años. Posteriormente se desarrolló su interés por la voz clásica y comenzó a estudiar con instructores privados, y más tarde con Edward Walker, profesor vocal en la Universidad de Miami. En 2007, Salvant se trasladó a Aix-en-Provence (Francia), para estudiar Derecho, así como música vocal clásica y barroca en el Conservatorio Darius Milhaud. Fue en Aix-en-Provence, con el profesor Jean-François Bonnel donde estudió improvisación y repertorio instrumental y vocal, que abarcaba desde la década de 1910 y donde cantó con su primera banda.
En 2010, a la edad de 21 años, Cécile, mostró su talento al ser la ganadora del primer premio en el Concurso Internacional de Jazz Thelonious Monk para vocalistas,Su primer premio incluía un contrato de grabación con el sello discográfico Mack Avenue Records, a lo que siguió el
lanzamiento de su primer álbum homónimo, Cecile, poco después. Su segundo álbum,
WomanChild, fue publicado en 2013 en Mack Avenue Records, lo que la llevó a varios logros. Las canciones elegidas para este álbum incluyen composiciones originales, así como composiciones que datan desde el siglo XIX y progresan hasta el XXI. Salvant eligió las canciones de este álbum basándose en las canciones que sentía que tenían una conexión personal con su vida.
Por dicho álbum Salvant, en 2014, fue
nominada para el Premio Grammy al Mejor Álbum Vocal de Jazz. Salvant ganó en
cuatro categorías en la Encuesta de los Críticos del 2014 de Down Beat: Álbum
de Jazz del Año, Vocalista Femenina, Nueva Artista de Jazz y Nueva Vocalista
Femenina. Su tercer álbum, For
One to Love, fue lanzado el 5 de septiembre de 2015, con la aclamación de la
crítica del New York Times, The Guardian, y Los Angeles Times. Con él ganó el
Premio Grammy al Mejor Álbum Vocal de Jazz en 2016. En este álbum, Salvant decidió centrar su atención hacia las mujeres fuertes e independientes. El álbum contiene cinco obras originales y estándares del jazz.
En una crítica de su
actuación en el Ronnie Scott's Club en Londres en junio de 2015, Juan Fordham
escribió en The Guardian: "Ella trae ideas desde ángulos inesperados para
la forma de cantar los estándars, y aplica una traviesa inteligencia para
trasformar las desgastadas letras." Su cuarto álbum titulado Dreams And Daggers fue lanzado el 29 de septiembre de 2017 y fue premiado en los Grammy 2018 como el Mejor Álbum de Jazz. El quinto álbum The Window vio la luz el 28 de septiembre de 2018. Salvant dice que su principal influencia en el jazz es Sarah
Vaughan, rememorando sus recuerdos de infancia de escuchar sus canciones en
varias ocasiones.
Aunque fuertemente influenciada por Sarah Vaughan, también
está fuertemente influenciada por cantantes como Billie Holiday, Bessie Smith,
y Betty Carter. Ella describe su sonido como jazz y blues, con elementos de
folk y de teatro musical. Cécile interpreta temas poco conocidos, rara vez
grabados de jazz y de blues. Por otra parte compone sus propios temas, tanto la
música como la letra, que también canta en francés, su idioma nativo, así como
en español. Goza de popularidad en Europa y en los Estados Unidos, actuando en
clubes, salas de concierto y festivales acompañada por músicos de renombre.
Salvant ha actuado en salas y festivales de jazz como el Ronnie Scott's de
Londres, El Festival de Jazz de Newport en Rhode Island, y otros.
Edward Lee Morgan, conocido artísticamente como Lee Morgan, nació en Filadelfia (Pensilvania) el 10 de julio de 1938 y falleció en Nueva York el 19 de febrero de 1972 a la edad de 33 años. Trompetista estadounidense de jazz.
A los catorce años le regalaron una trompeta y comenzó a interesarse por el jazz. Estudió entonces en la Masbaum Tech, donde perfeccionó técnicamente su instrumento y donde estudiaba, precisamente, otro grande: Sonny Stitt, con quien colaboró en sus inicios. Un año más tarde, a los quince, empezó a dirigir orquestas de baile, a la vez que colaboraba esporádicamente en jam-sessions donde compartió escenario con leyendas del jazz como John Coltrane, Beny Golson, Clifford Brown o Art Blakey. A la edad de dieciocho años grabó sus primeros discos acompañando a Hank Mobley y a Horace Silver. Durante el periodo 1956-58 pasó a formar parte de la orquesta de Dizzy Gillespie, quien le influyó sobremanera en su estilo de tocar. Por aquella época, Morgan sólo tenía 19 años y ya recorría el mundo dando conciertos. De esta experiencia data una grabación histórica –junto al genial John Coltrane- de título "Locomotion".
Sin embargo, el gran aldabonazo en su carrera se produjo cuando a finales de 1958 entró en los Jazz Messengers de Art Blakey, un grupo con el que adquirió cierta fama –como les pasó a todos los que tocaron allí-. Más tarde, en 1961, trabajó con Jimmy Heath en Filadelfia. En diciembre de 1963 entró al estudio para grabar con Barry Haris y Joe Henderson "Desert Moonlight", que contenía un tema que lo dio a conocer definitivamente: The Sidewinder. Más tarde volvió a tocar con The Messengers, de Blakey. La fama que le había dado la grabación de The Sidewinder hizo que Art Blakey le volviera a requerir en su banda. Su fama como figura de talento creció, e inició entonces su carrera como "freelance", tocando con cientos de músicos de jazz y participando en la grabación de temas y álbumes de jazz. Bien como líder, bien como acompañante, era usual encontrar a Lee Morgan en diversas formaciones. Así, colaboró con George Coleman, McCoy Tyner, Jacki McLean, Billy Harper o George Benson.
Como solista, mantuvo en sus formaciones a brillantes jazzmen entre los que se pueden destacar Art Blakey, Paul Chambers, Wynton Kelly, Clifford Jordan, Eddie Higgins o Art Davis. Asimismo, ha colaborado en las bandas de decenas músicos importantes, bien en conciertos, bien en grabaciones, tales como Max Roach, Sonny Sttit, Horace Silver, Charlie Mingus, Eric Dolphy, Jay Jay Johnson, Philly Joe Jones o Jimmy Cobb. Ya en los años setenta, se conformó como un enérgico activista del jazz. Participó junto a Roland Kirk en la asociación “Jazz and People Movement”, y contribuyó en la organización de un concierto "anti-Newport", por entonces cuna de los macro festivales de jazz. Lamentablemente, la muerte le sobrevino un 19 de febrero de 1972, cuando sólo contaba 33 años. Un disparo cuando salía del club de jazz "Slug’s" acabó con su vida y dio inicio a su leyenda.
Lee Morgan es uno de los grandes trompetistas que ha dado el jazz en su desarrollo “post-bop”. Sus grandes líneas maestras derivan de dos señas indiscutibles: Clifford Brown y el gran Dizzy Gillespie. El sonido de la trompeta de Morgan ha quedado como una huella irrepetible en las grabaciones –en las muchísimas grabaciones- que realizó en vida. Su temprana muerte privó al jazz, seguramente, de un príncipe cuyo estilo e influencia –a pesar de su muerte- puede seguirse en las siguientes generaciones de trompetistas de las décadas de los años setenta, ochenta y noventa. La técnica de Morgan, altamente precisa a la vez que inusual en el uso de algunos “trucos” que le hacían invulnerable y original en la interpretación de música jazz, hacen de él una figura irrepetible. Comenzó copiando la forma de la trompeta de Dizzy Gillespie (con la campana hacia arriba en un ángulo de 45º), aunque pronto se desligó de su sonido típico. Su dominio técnico de la trompeta –ciertamente suave y melódico- lo situó pronto en lo más alto de la lista de intérpretes de este instrumento.
Su frase, rápida y elegante, y su utilización magistral del glissando (slur) fue lo que más llamó la atención de este trompetista, cuyo timbre sonoro variaba de registro al utilizar el semipistón con gran maestría. Era característico en él ejecutar la frase musical con golpes que precisaban de dos y hasta tres lengüetas –quizá siguiendo a otro grande la trompeta: Rex Stewart-. Es lo que comúnmente se llama “digitación artificial”, esto es, ejecutar dos notas a la vez pulsando distintos pistones. Su marcada musicalidad y sus grandes dotes interpretativas se perciben en su estilo jazzístico “típicamente Morgan”, que consiste en variar de tonos continuamente, agilizando la improvisación y otorgándole un carácter brillante. Para ello, no duda el trompetista en utilizar el arpegio como recurso modal en frases cortas y rápidas.
Su sentido del ritmo, al igual que su energía interpretativa, hacen de Lee Morgan un leader indiscutible en la historia del jazz contemporáneo. Por otro lado, la figura de Lee Morgan no resulta demasiado conocida para el recién aficionado al jazz. No es comparable, desde luego, a leyendas del instrumento como Miles Davis o Chet Baker. Sin embargo, no debe olvidarse la brillante aportación de este músico al estilo de jazz. Sus innumerables grabaciones –en solitario o acompañante- así lo demuestran. Junto a Freddie Hubbard o Donald Byrd, puede ser considerado uno de los grandes seguidores del “sonido Clifford Brown”. François-René Simón dijo de él: “Pocos trompetistas en la historia del jazz han llevado a un nivel tan alto el dominio del instrumento y del fraseo”.
DISCOGRAFÍA seleccionada, ÁLBUMES:
Introducing 1956 Hank Mobley with Donald Byrd and Lee Morgan 1957
Dizzy Atmosphere 1957 Lee Morgan Indeed! 1957 Lee Morgan Sextet 1957 Lee Morgan vol.3 (1957) Candy 1958 City Lights 1958
The Cooker 1958 Here's 1960 The Young Lions 1960 Lee-Way 1961 The Sidewinder 1964 Search For The New Land 1966 The Genius Of Lee Morgan 1969 Charisma 1969 Live At The Lighthouse 1971 Lee Morgan 1972 Lee Morgan 1973 The Procrastinator 1978 Tom Cat 1980 Infinity 1981 The Best Of Lee Morgan 1988 The Complete Blue Note Lee Morgan Fifties Sessions 1995
Art Tatum, Jr., conocido
artísticamente como Art Tatum, nació el 13 de octubre de 1909 en Toledo (Ohio)
y falleció el 5 de noviembre de 1956, a la edad de 47 años, en Los Ángeles
(California). Pianista de jazz estadounidense.
A pesar de ser
prácticamente ciego llegó a ser uno de los más grandes pianistas del género.
Fue un niño prodigio que era capaz de tocar directamente al piano lo que oía en
la radio o en las pianolas. Con un oído fuera de la común, Art percibía la más
mínima variación de la afinación en un piano. Muchos datos de la vida de Tatum
permanecen inciertos o ambiguos: Su fecha de nacimiento, la causa de su
ceguera, las inquietudes musicales de sus padres, sus asociaciones con músicos
clásicos y su habilidad para tocar como "sideman" (músico profesional
de acompañamiento en un grupo o en una grabación). Aún así, una vez escuchada
su obra discográfica, es evidente que su inmenso talento le ha convertido en
uno de los más grandes pianistas de la historia. Prácticamente cualquier
pianista de jazz aún en activo, a sabiendas o no, le debe algo a Tatum, quien
en los años treinta transformó el concepto de piano de jazz para siempre.
Incluso solistas de otros instrumentos basaron su evolución sonora en los
nuevos conceptos que Tatum trajo al teclado.
El crítico, productor y
escritor de jazz Leonard Feather lo llamó "el más grande solista de la
historia del jazz, sin importar el instrumento". A mediados de los años
veinte estudió en la escuela de música de Toledo y actuaba en emisoras locales.
El piano como instrumento tenía ya historia de virtuosos, pero ninguno se
aproximó a los niveles de aptitud atlética que Tatum desplegaba con tanta
naturalidad. Se hizo algo tan natural que a veces él mismo parecía aburrirse de
su propia maestría, pasando a toda velocidad por una procesión de marcados
contrastes en tiempo y estilo que cambiaban cada pocos compases, bajo una
cascada de arpegios que caían como confeti. Su talento al teclado comenzó a ser
popular entre los mismos músicos y grandes del jazz como Duke Ellington,
Fletcher Henderson y Louis Armstrong, que aprovechaban sus actuaciones en Toledo
para pasarse a ver a Tatum en directo.
En 1932 llamó la atención
de la cantante Adelaide Hall con quien Tatum realizó sus primeras grabaciones.
Tatum mencionó que su mayor influencia había sido Fats Waller, pero según el
pianista Teddy Wilson: "El pianista de jazz favorito de Art fue Earl
Hines. Tatum compraba todos sus discos e improvisaba sobre ellos. Tocaba e
improvisaba sobre la música de Earl... Por supuesto, cuando oías tocar a Tatum,
no eras capaz de escuchar nada más que no fuera él. Pero sus ideas las tomó del
estilo de Earl, algo que Earl nunca supo". Un momento clave en su
meteórico ascenso fue su aparición en un concurso que se celebró en 1933 en el
bar Morgan's de Nueva York, en el que participaban además de él, Fats Waller,
James P.Johnson y Willie 'The Lion' Smith.
Piezas clásicas del
concurso incluían 'Harlem Strut' y 'Carolina shout' de Johnson y 'Handful Keys'
de Fats Waller. Tatum triunfó con sus arreglos de 'Tea for two' y 'Tiger rag',
en una actuación memorable que fue considerada la última palabra en el estilo
de piano stride. James P. Johnson, rememorando la actuación de Tatum,
simplemente dijo: "Cuando Tatum tocó 'Tea for Two' aquella noche, creo que
fue la primera vez en mi vida que la oi tocada como es debido". Su debut
fue histórico porque superó a toda la élite y abanderó el abandono definitivo
de la era stride en el piano de jazz. No volvió a ser retado en este estilo
hasta que el especialista Donald Lambert inició una rivalidad con él que se
quedó en una anécdota. Durante los años treinta visitó numerosas ciudades del
país como Los Ángeles, Cleveland, Chicago, Nueva York, y en 1938 se embarcó en
el "Queen Mary" rumbo a Inglaterra, donde también hizo giras y
permaneció tres meses en el "Ciro's Club", propiedad del director de
banda y violinista Ambrose.
En 1941 Tatum grabó dos
sesiones para Decca Records acompañando al cantante Big Joe Turner. En ellas
estaba incluida 'Wee wee baby blues', un éxito que tuvo repercusión nacional.
Dos años después Tatum lideró la primera 'clasificación' que medía la popularidad
de músicos de jazz del país, publicada por la revista Esquire. Ese mismo año
(1943), pensando quizás que el piano sin acompañamiento tenía una audiencia
limitada, Art formó un trío inspirado en el de Nat King Cole con el guitarrista
Tiny Grimes (más tarde Everett Barksdale) y el bajista Slam Stewart. Durante el
corto período que tocaron juntos, grabaron varios discos de 78 rpm, que
muestran la maravillosa interacción que había entre los músicos, y son únicos
hasta la fecha.
Sin embargo, el mayor legado
de Tatum son sus grabaciones para piano solo. Con un repertorio compuesto
principalmente por el Great American Songbook, Tatum mostraba una fluida
brillantez técnica y una prodigiosa memoria para crear una biblioteca de obras
maestras para piano. La habilidad de Tatum para imaginar y ejecutar ideas
complejas e ingeniosas a toda velocidad no tiene parangón en la música grabada.
Escuchar a Tatum puede ser una tarea tan emocionante como exigente debido al
profundo impacto de sus ideas, sus desvíos armónicos y su extravagante
ornamentación.Sus críticos le reprochaban necesitar demasiadas notas para
expresar melodías simples. No obstante, sus interpretaciones de 'Yesterdays',
'Begin the beguine' o 'Humoresque', hacen que con sus arreglos de expresividad
exuberante, estos clásicos parezcan composiciones distintas.
En su tiempo Tatum fue con
diferencia el pianista más virtuoso del jazz, técnicamente perfecto en ambas
manos y reconocido por todos. Un día entró en un club donde Fats Waller estaba
tocando. Waller se apartó del piano para hacer sitio a Tatum, anunciando
"Yo sólo toco el piano, pero esta noche Dios está aquí". Además, el
compositor ruso Sergei Rachmaninoff, tras oír tocar a Tatum, declaró que era el
más grande intérprete de piano de cualquier estilo. Otras celebridades de su
tiempo, como Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein y George Gershwin se
maravillaron con el genio de Tatum. Horowitz llegó a comentar que si Tatum se
dedicara al piano clásico, él lo dejaría al día siguiente. También el legendario
saxofonista Charlie Parker estuvo muy influido por Tatum.
Recién llegado a Nueva
York, Parker trabajó fregando platos en un restaurante de Manhattan en el que
actuaba Tatum, y escuchó a menudo al legendario pianista. Desafortunadamente,
las dos figuras nunca tocaron juntas. Aunque Art fue venerado e idolatrado por
la mayoría de sus colegas contemporáneos, cuando apareció el bebop -movimiento
en el que no participó- su popularidad descendió bastante. En la década de los
cincuenta trabajó con Norman Granz, tanto como solista como formando parte de
un grupo de All Stars junto con Benny Carter, Ben Webster, Roy Eldridge, Buddy
DeFranco y Lionel Hampton. Los dos últimos años de su vida tocaba habitualmente
en el "Baker's Keyboard Lounge" de Detroit, donde realizó su última
actuación en abril de 1956. Murió siete meses después, a los 47 años.
DISCOGRAFÍA seleccionada, ÁLBUMES:
Piano Solos (1940, Decca )
The Genius Of Art Tatum vol.1 (Clef Records, 1954)
The Genius Of Art Tatum vol.4 (Clef Records, 1954)
The Tatum Group Masterpieces vol.1 (Palblo Records, 1954)
The Tatum Group Masterpieces vol.2 (Palblo Records, 1955)
The Tatum Group Masterpieces vol.3 (Palblo Records, 1955)
The Tatum Group Masterpieces vol.4 (Palblo Records, 1955)
The Tatum Group Masterpieces vol.5 (Palblo Records, 1955)
The Tatum Group Masterpieces vol.6 (Palblo Records, 1956)
The Tatum Group Masterpieces vol.7 (Palblo Records, 1956)
The Tatum Group Masterpieces vol.8 (Palblo Records, 1956) The Art Tatum-Ben Webster Quartet (Verve, 1956) Art Tatum (Capitol, 1956) The Art of Tatum (Decca, 1958) The Greatest Piano Of Ten Hall (Verve,1958) The Incomparable (Verve, 1959) Art! (Fontana, 1966) The Tatum Solo Masterpieces vol.2 (/Verve,1975) 20th Century Piano Genius (Verve, 1986) The Complete Capitol Recording (Affinity, 1986) Art Tatum's Finest Hour (Verve 2000)
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