HERB ALPERT

Descendiente de judíos, Herbert Alpert, artísticamente conocido como Herb Alpert, nació en Los Ángeles (California) USA, el 31 de marzo de 1937. Trompetista, arreglista, compositor, productor y cantante. Hombre investigador del sonido que evolucionó entre los años 50 y 60,  con su fórmula de unir los sonidos latinos, esencialmente mexicanos, con jazz y cierto toque muy leve de rock, le convirtieron en uno de los máximos vendedores discográficos de la década de los 60 que incluyen cinco nºs. 1, veintiocho álbumes en las listas de Billboard, ocho premios Grammy, catorce discos de platino y quince discos de oro. Hasta 1966 había vendido la friolera de 72 millones de álbumes en todo el mundo.

Sus inicios como músico los realiza en un garaje, y profesionalmente, siendo ayudante de producción de Baby talh para Jan and Dean en 1959. Compone Wonderful world, que será éxito por Herman's Hermits y produce otro éxito, Alley Oop, para un grupo llamado Dante and The Evergreens. En 1962, casado y con un hijo, visita Tijuana (México), donde presencia una corrida de toros; y la idea de su Tijuana Brass cobra forma. Su primer disco, The lonelly bull, le cuesta 200 dólares. Este mismo año forma con Jerry Moss, un promotor y productor, su propio sello discográfico, A&M Records. The lonelly bull se convertirá pronto en su primer disco de oro, abriendo las puertas a un sonido revolucionario en la América pop. Comenzarán a editarse álbumes ininterrumpidamente hasta 1969, The lonely bull, Marching through Madrid, Herb Alpert's Tijuana Brass, South of the border, Whipped cream and other delights, etc.

En 1965, cinco discos suyos llegan a estar situados entre los más vendidos de Estados Unidos, pasando Alpert a ser uno de los artistas más vendedores de los años 60 junto a Beatles, Rolling Stones y The Supremes. La Tijuana Brass, en este año, la formaban Ton Kalash a la trompeta, Pat Senatore a la guitarra, Nick Ceroli a la batería, Lou Pagani al piano, John Pisano a la guitarra y el propio Herb como trompeta líder. Hasta 1969, la discografía de Herb Alpert será un río de oro sin perder su peculiar estilo. En 1968 debutó como cantante, logrando otro nº 1 con  This guy's in love with you (traducido en nuestro país como Yo soy ese amor). Los principales LP's de este período son S.R.O., Sounds like, Ninth, Beat of brass, Chritmas album, Warm, Greatest hits, etc.

En los años 70, Herb Alpert se concentrará en su labor como ejecutivo dentro de su compañía, aunque seguirá editando álbumes regularmente pero sin el éxito de los años 60. Los principales LP's de esta década serán Summertime, Solid brass, You smile, the song begins, Coney island, Main event live (con Hugh Masekela), Beyond, Rise, etc. Ha trabajado para su marca discográfica A&M con muchos artistas destacados, como: The Carpenters, Gino Vannelli, Sergio Mendes y Janet Jackson, entre otros muchos.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

Singles y EP's:

 

 

 

 

ÁLBUMES:

 

 

 

 

 

 

 

Fuente: Orbis

Fotografías: dedica.la & allposters.es

Carátulas de discos: a45rpm.com & rateyourmusic.com

EUMIR DEODATO

Eumir Deodato de Almeida, conocido artísticamente como Eumir Deodato o simplemente Deodato, nació el 22 de junio de 1943 en Río de Janeiro (Brasil). Pianista, arreglista y autor con raíces en el jazz y la música brasileña como la samba o la bossa, destacó muy pronto en su juventud formando parte del grupo de bossa-nova Os Catedráticos, integrado por él mismo al órgano y piano, Rubens Bassini (tumbadora y pandeiro), Geraldo Vespart (guitarra acústica), Wilson das Neves (batería), Maurilio (trompeta), Walter Rosa (saxo tenor), Aurino Ferreira (saxo barítono), Edson Maciel (trombón), Humberto Garin (guiro), Jorginho (tumbadora) y Sérgio Barrozo (bajo). 

Os Catedráticos graban, entre otros, los LP's, Impulso! samba, Tremendão y Ataque. Deodato deja Os Catedráticos y decidido a continuar su carrera en solitario edita en su país de origen varios discos, entre ellos los LP's: Idéias, Lounge' 64, Samba nova concepção, Bossa Nova sessions vol. 1, Bossa Nova sessions vol. 2, e Inútil paisagem, este último con canciones compuestas por Antonio Carlos Jobim. 

A los 21 años llega a Nueva York y, con la bossa-nova en pleno auge, trabaja con Astrud Gilberto y Luis Bonfa. En 1970 se instala definitivamente en Nueva York y en 1973 sorprende al mundo con su arreglo de la composición de música clásica de Richard Strauss "Also sprach Zarathustra", que él titula Zarathustra (2001), grabado en el sello discográfico especializado en jazz de Creed Taylor, CTI Records, y que en single se convierte en un hit internacional de grandes proporciones. 

A raíz de él, Deodato inicia una densa carrera, con LP’s que irán oscilando progresivamente hacia formas más comerciales e incluso discotequeras; sin embargo, incluso esas formas nuevas muestran su habilidad como músico y arreglista y esos álbumes son grabados por intérpretes siempre destacados dentro del jazz-rock, como Stanley Clarke (el fascinante solo de bajo de Also sprach Zarathustra es suyo), Bill Cobham, Rick Marotta, etc. 

La discografía de Deodato comprende los LP’s Percepção (72), Prelude (72), Os Catedráticos (73), 2001/Also sprach Zarathustra (73), Deodato 2 (73), Eumir Deodato interpreta a Antonio Carlos Jobim (73), el recopilatorio Best of Deodato (73), Artistry (74), In concert (74, con Airto Moreira), Whirlwinds (74), First cuckoo (75), Very together (76), 2001 (77), Il concerto di Aranjuez (77), Love island (78), Knights of fantasy (79), Night cruiser (80), Happy your (82), Motion (84), Somewhere out there (89). 

A partir de esta fecha se produce un largo silencio de muchos años en que no publica nuevos discos, pero sigue estando activo en el mundo musical y dedicándose principalmente a sus labores de productor y arreglista, para de esta forma llegar hasta las fechas actuales y a sus últimas grabaciones, los álbumes Trio ao vivo no Rio (2008) y The crossing (2010).





DISCOGRAFÍA seleccionada, 
SINGLE:

ÁLBUMES:

DISCOGRAFÍA mencionada, OS CATEDRÁTICOS
ÁLBUMES:

Fuente: Orbis (Actualizada)
Fotografía: ronniescotts.co.uk
Carátulas discos: rateyourmusic.com

JOHN COLTRANE

John William Coltrane, apodado "Trane" y conocido artísticamente como John Coltrane, nació el 23 de noviembre de 1926 en Hamlet (Carolina del Norte) y falleció el 17 de julio de 1967 en Huntington (Nueva York) a la edad de 40 años. Músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y soprano.

Hijo de un sastre aficionado a la música, dió sus primeros pasos con el saxo alto en una banda de niños dirigida por el reverendo Steele. Entre 1945 y 1946 tocó en Hawai, en la orquesta del ejército. Más tarde tocaría en varios grupos de rhythm and blues, acompañando a músicos como Joe Webb, Bis Maybelle, King Kolax y Eddie Vinson. En 1948 tocó, en Filadelfia, con Philly Joe Jones y Howard McGhee; después conoció a los hermanos Heath (Percy, Al y Jimmy), con los que formó la Orquesta del Apollo de Harlem. Sin embargo, el gran paso hacia delante lo dio cuando conoció a Dizzy Gillespie, en 1949, quien le ofreció tocar el saxo tenor en su orquesta. No obstante, ese año perteneció, a su vez, a los grupos de Gay Crosse, Lonnie Slappery, Johny Hodges y Earl Bostic. La fama a Coltrane, de todas maneras, le llegó en 1955, cuando grabó con el quinteto de Miles Davis, junto a Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (batería). Este fue un quinteto histórico, un "tour de force" más del genio de Davis, rodeado siempre de los mejores músicos del momento. 

De esta colaboración puede rescatarse el Lp de Davis Ah- Leu- Cha, grabado el 27 de octubre de 1955. Las piezas más sorprendentes que se valoran del encuentro Miles-Coltrane son Round midnight y Stella by starlight. En el vinilo, además de Miles y Coltrane, estaban Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Jo Jones (batería, viejo conocido de Coltrane). Sin duda, nos hallamos ante la ascensión definitiva del joven Coltrane, que, hacia 1957, grabó su primer disco en solitario, Dakar. El camino del músico de Carolina quedó ya unido al del naciente “hard bop”, lo que le llevó a integrarse en el grupo de otro de los grandes del momento, Thelonius Monk y sus "Five Spots", con los que grabó algún que otro Lp, para, finalmente, entrar a formar parte del nuevo sexteto de Miles Davis, junto a músicos como Bill Evans o Canonballl Adderley. El Lp fruto de esta formación fue Dr. Jekill, otro de los hitos de finales de los cincuenta. De la colaboración del joven Coltrane (tenía treinta años) con Davis habría que apuntar que sirvió como acicate para que el músico de Hamlet pusiera en claro sus ideas musicales. 

No despuntaba todavía, pero fue necesario el contacto con un genio como Davis para que Coltrane accediera a otro nivel de percepción musical. Fue a partir de entonces cuando exploró las sonoridades del saxo (tanto tenor como soprano) y ensanchó el espacio sonoro, rítmico y melódico que el detallado estudio de sus instrumentos le brindaba. Un último disco que grabó Coltrane con Davis antes de abandonar la formación fue una de las obras maestras de todo el siglo XX, Kind of blue, grabado en 1959. También en 1959, lejos ya de Davis, Coltrane grabó un disco con el que superó el “hard bop”, cuyo título era Giant steps, el cual contiene algunas de sus grandes piezas ("Giant Steps", "Mr. P.C." o "Naima"). Precisamente esta última pieza, "Naima", está dedicada a su mujer por entonces, de quien no tuvo hijos y de la cual se separó al final de su vida, tras nueve años de matrimonio, para unirse a la pianista Alice McLeod. En 1960 creó un cuarteto e inició una serie de conciertos que le llevó de gira por Estados Unidos y por Europa, además de actuar en los grandes locales del momento: Jazz Galery, Half Note o Village Gate. 

En este cuarteto tocaron en un principio Steve Khun, Steve Davis y Peter LaRoca, reemplazados al poco tiempo por nombres vinculados, definitivamente, al "sonido Coltrane”: McCoy Tiner (piano), Reggie Workman (contrabajo), Jimmy Garrison (contrabajo) y Elvin Jones(batería). Es la época en la cual John Coltrane grabó con dos de las discográficas más importantes del jazz: Atlántic e Impulse! Sus problemas con las drogas, no obstante, representaron unos de los impedimentos que frenarían la carrera del joven Coltrane; problema que consiguió superar a principios de los sesenta a raíz, precisamente, de su gira por Japón. Además, al margen del saxo tenor (tan propio de su sonido desde sus comienzos), Coltrane pasó a tocar el soprano, instrumento que le consolidó su sonido, acercándose vertiginosamente a la música “free”. En 1961 Coltrane firmó con el sello discográfico Impulse!, al cual ofreció un Lp que pronto se convirtió en obra maestra y acontecimiento musical: Africa Brass, donde Coltrane lleva a cabo una de sus pocas incursiones en la música orquestal. En este disco encontramos algunos importantes nombres como Booker Little, Britt Woodman y Pat Patrick. A raíz de este disco, la fama del músico y su clara vinculación con la música de vanguardia no cejó en su evolución.

Es el año, además, de su unión con otro de los innovadores de estos años, Eric Dolphy, que colaboró con Coltrane en el disco antes citado. Dolphy era íntimo amigo de Coltrane (como también Sonny Rollins), y juntos afrontaron el difícil camino estético elegido dentro de un mismo proyecto. La crítica, no en vano, atacó a estos músicos, cuyo frente común fue ejemplar. De esta época es su álbum Africa Brass, un Lp vinculado a la música orquestal y con jóvenes músicos como Britt Woodman o Pat Patrick, entre otros. No obstante, en esta época comenzó a publicar ciertos álbumes que acercaron a Coltrane a la senda del "free". Sus colaboraciones (al margen de Eric Dolphy) fueron con Rashied Ali, Pharoah Sanders o Alice McLeod (pianista con quien se casará, incluyéndola en la formación de su grupo en su última época). Tanto en 1960, como en 1961, Coltrane se enfrasca en una gira por Europa que le da a conocer. Entre los colaboradores de estos años tenemos a personalidades muy distintas, como Archie Shipp, o Wes Montgomery, los cuales no llegaron a cuajar en sus formaciones. 

A partir de 1962, Coltrane completó lo que iría a ser su gran cuarteto: McCoy Tyner (piano), Elvin Jones (batería) y Jimmy Garrison (contrabajo, que a su vez procedía del cuarteto de Ornette Coleman). Al fin, Coltrane tuvo lo que había buscado: una poderosa maquinaria que revolucionaría el jazz. La potencia percusiva de Elvin, la armonía atonal de McCoy, la base armónica de Garrison (llena de alturas disonantes, a la vez que de un marcado swing), más el liderazgo de Coltrane, sobrevolando el terreno como un ave carroñera que se alimenta de los despojos que encuentra, hacen de este cuarteto una de las joyas bibliográficas más relevantes del jazz del siglo XX. Tampoco debe olvidarse su "rara" colaboración con uno de los genios del jazz, Duke Ellington, de la cual nació un álbum para disfrute general del aficionado a este tipo de música. De 1964 es una de sus obras maestras, A love supreme, una suite que revolucionó la música jazz, grabado con su cuarteto de lujo, Garrison, Tyner y Jones, disco que, por otro lado, se convirtió en 1965 en el álbum más vendido del jazz. 

Los dos últimos años de su vida los empleó Coltrane en realizar agotadoras giras por Japón y Europa, y en grabar discos importantes (Infinity, Cosmic Music o Expression) y alguna obra maestra, como lo fue su Interstellar space (1967). Coltrane había decidido viajar a África; sin embargo, un cáncer de hígado, que ya le perseguía desde hacía un tiempo, acabó con él un 17 de julio de 1967. Parece ser que los excesos de otros tiempos (drogas, alcohol, etc.) al fin pasaron factura al genial saxo, aunque llevara en sus últimos años una vida enfocada hacia la mística y la comida vegetariana. Acababa de cumplir 40 años. John Coltrane murió joven; sin embargo, a los treinta cinco años ya era considerado una de las figuras máximas del "hard-bop". Poco entendido en su época (pensemos en su difícil dúo con Eric Dolphy), el tiempo le ha magnificado y le ha convertido en una de las referencias básicas de este estilo de música. La apertura tonal que este saxofonista consiguió, extendiendo los límites de la armonía jazzística, se debió tanto a su original ingenio como a los músicos que le rodearon en vida. 

Sobre todo, su cuarteto fue determinante para que Coltrane se expresara como quería y dejara su mensaje de manera inequívoca. La improvisación modal, pues, atiende al concepto revolucionario que este músico impulsó desde sus grabaciones, aportando nuevas ideas (fusionándolas e impregnándolas en un delirante concepto rupturista) a los aspectos de melodía, armonía y ritmo. La búsqueda incesante de este músico fue generada por su idea de universo, de infinito, que tanto le tentaba. En un bello poema escrito en el interior de la carpeta de A love supreme, Coltrane decía: “The universe has many wonders” ("el universo posee muchas maravillas"), y esas maravillas las producían las vibraciones de su saxo. La búsqueda del sentido del universo (donde siempre, para Coltrane, se encontraba Dios) debía comenzarse por el propio entendimiento que surgiera entre la máquina que produce el sonido y su cuerpo, que los equilibra. Su búsqueda de un lenguaje propio le llevó por caminos difíciles de valorar. Técnicamente, exploró en las tres octavas del saxo, ejecutando escalas rápidas llenas de armónicos y notas disonantes que creaban una atmósfera típicamente “coltraniana”. Prácticamente podemos afirmar, sin exageraciones, que fue el gran héroe del “estilo free”, sin llegar nunca a instalarse en él. Después de Coltrane, o algo después, el “free” se expandió de manera específica y llegó el turno de otros genios como Ornette Coleman, Archie Shipp o Cecil Taylor. 

Sin embargo, no solamente le tributan cierto homenaje los músicos más cercanos a la atonalidad, sino que cualquier saxofonista moderno debe rendirle tributo de una u otro forma. Coltrane llevó la música hasta justo el límite de su propia desintegración sin llegar a desintegrarla; digamos que accionó la palanca de dicha desintegración sin llegar a pulsarla del todo. Su repentina muerte nos privó de ver qué hubiera hecho Coltrane diez o, tal vez, veinte años después de morir. Nunca lo sabremos. Y quizá sea mejor así. Aún con todo, lo revolucionario del “concepto coltrane” se percibe en la legión de simpatizantes que han continuado su estela. David Sanborn, Gato Barbieri, Jan Garbarek o Michael Brecker son sólo algunos de ellos. La mina “coltrane” es inacabable, aunque de él aún nos queden vestigios en la piel de McCoy Tyner o Elvin Jones. Lo importante es que la estela de Coltrane no se ha terminado todavía. Su huella, absolutamente genial y personal, prevalece en el lenguaje de la mayoría de los nuevos músicos que entran en escena y, sobre todo, en la mayoría de los músicos que tocan un saxofón.

DISCOGRAFÍA BÁSICA,

Con el quinteto de Miles Davis:

1956= Trane’s blues

1956= Round Midnight

1956= It Couls Happen to you

1958= Dr. Jekyll (1958)

1959= Flamenco Sketches (1959)

1959= Kind of blue (1959)

Con Thelonius Monk:
1957= Thelonious Himself

Con Duke Ellington:
1962= The Feeling Of Jazz

Con su propia banda: 1957= Dakar

1958= Russian Lubally

1959= Giant steps

1959= Coltrane Jazz

1960= My Favorite Things

1960= Plays the Blues

1961= Olé

1964= Impressions

1964= A Love Supreme

1964= Transition

1964= First Meditations

1963= Live in Stockholm

1963= Paris-Concert

1964= Crescent

1965= Live in Paris

1965= Ascension

1965= Live in Seatle

1966= Meditations

1966= Cosmic music

1967= Expression

1967= Interstellar space

1996= The heavy-weiht champion


Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: mcnbiografias.com
Fotografía: pinterest.com
Carátulas discos: discogs.com