MÚSICOS DE JAZZ

lunes, 4 de marzo de 2019

LEE MORGAN

Edward Lee Morgan, conocido artísticamente como Lee Morgan, nació en Filadelfia (Pensilvania) el 10 de julio de 1938 y falleció en Nueva York el 19 de febrero de 1972 a la edad de 33 años. Trompetista estadounidense de jazz.

A los catorce años le regalaron una trompeta y comenzó a interesarse por el jazz. Estudió entonces en la Masbaum Tech, donde perfeccionó técnicamente su instrumento y donde estudiaba, precisamente, otro grande: Sonny Stitt, con quien colaboró en sus inicios. Un año más tarde, a los quince, empezó a dirigir orquestas de baile, a la vez que colaboraba esporádicamente en jam-sessions donde compartió escenario con leyendas del jazz como John Coltrane, Beny Golson, Clifford Brown o Art Blakey. A la edad de dieciocho años grabó sus primeros discos acompañando a Hank Mobley y a Horace Silver. Durante el periodo 1956-58 pasó a formar parte de la orquesta de Dizzy Gillespie, quien le influyó sobremanera en su estilo de tocar. Por aquella época, Morgan sólo tenía 19 años y ya recorría el mundo dando conciertos. De esta experiencia data una grabación histórica –junto al genial John Coltrane- de título "Locomotion".

Sin embargo, el gran aldabonazo en su carrera se produjo cuando a finales de 1958 entró en los Jazz Messengers de Art Blakey, un grupo con el que adquirió cierta fama –como les pasó a todos los que tocaron allí-. Más tarde, en 1961, trabajó con Jimmy Heath en Filadelfia. En diciembre de 1963 entró al estudio para grabar con Barry Haris y Joe Henderson "Desert Moonlight", que contenía un tema que lo dio a conocer definitivamente: The Sidewinder. Más tarde volvió a tocar con The Messengers, de Blakey. La fama que le había dado la grabación de The Sidewinder hizo que Art Blakey le volviera a requerir en su banda. Su fama como figura de talento creció, e inició entonces su carrera como "freelance", tocando con cientos de músicos de jazz y participando en la grabación de temas y álbumes de jazz. Bien como líder, bien como acompañante, era usual encontrar a Lee Morgan en diversas formaciones. Así, colaboró con George Coleman, McCoy Tyner, Jacki McLean, Billy Harper o George Benson.

Como solista, mantuvo en sus formaciones a brillantes jazzmen entre los que se pueden destacar Art Blakey, Paul Chambers, Wynton Kelly, Clifford Jordan, Eddie Higgins o Art Davis. Asimismo, ha colaborado en las bandas de decenas músicos importantes, bien en conciertos, bien en grabaciones, tales como Max Roach, Sonny Sttit, Horace Silver, Charlie Mingus, Eric Dolphy, Jay Jay Johnson, Philly Joe Jones o Jimmy Cobb. Ya en los años setenta, se conformó como un enérgico activista del jazz. Participó junto a Roland Kirk en la asociación “Jazz and People Movement”, y contribuyó en la organización de un concierto "anti-Newport", por entonces cuna de los macro festivales de jazz. Lamentablemente, la muerte le sobrevino un 19 de febrero de 1972, cuando sólo contaba 33 años. Un disparo cuando salía del club de jazz "Slug’s" acabó con su vida y dio inicio a su leyenda.

Lee Morgan es uno de los grandes trompetistas que ha dado el jazz en su desarrollo “post-bop”. Sus grandes líneas maestras derivan de dos señas indiscutibles: Clifford Brown y el gran Dizzy Gillespie. El sonido de la trompeta de Morgan ha quedado como una huella irrepetible en las grabaciones –en las muchísimas grabaciones- que realizó en vida. Su temprana muerte privó al jazz, seguramente, de un príncipe cuyo estilo e influencia –a pesar de su muerte- puede seguirse en las siguientes generaciones de trompetistas de las décadas de los años setenta, ochenta y noventa. La técnica de Morgan, altamente precisa a la vez que inusual en el uso de algunos “trucos” que le hacían invulnerable y original en la interpretación de música jazz, hacen de él una figura irrepetible. Comenzó copiando la forma de la trompeta de Dizzy Gillespie (con la campana hacia arriba en un ángulo de 45º), aunque pronto se desligó de su sonido típico. Su dominio técnico de la trompeta –ciertamente suave y melódico- lo situó pronto en lo más alto de la lista de intérpretes de este instrumento.

Su frase, rápida y elegante, y su utilización magistral del glissando (slur) fue lo que más llamó la atención de este trompetista, cuyo timbre sonoro variaba de registro al utilizar el semipistón con gran maestría. Era característico en él ejecutar la frase musical con golpes que precisaban de dos y hasta tres lengüetas –quizá siguiendo a otro grande la trompeta: Rex Stewart-. Es lo que comúnmente se llama “digitación artificial”, esto es, ejecutar dos notas a la vez pulsando distintos pistones. Su marcada musicalidad y sus grandes dotes interpretativas se perciben en su estilo jazzístico “típicamente Morgan”, que consiste en variar de tonos continuamente, agilizando la improvisación y otorgándole un carácter brillante. Para ello, no duda el trompetista en utilizar el arpegio como recurso modal en frases cortas y rápidas.

Su sentido del ritmo, al igual que su energía interpretativa, hacen de Lee Morgan un leader indiscutible en la historia del jazz contemporáneo. Por otro lado, la figura de Lee Morgan no resulta demasiado conocida para el recién aficionado al jazz. No es comparable, desde luego, a leyendas del instrumento como Miles Davis o Chet Baker. Sin embargo, no debe olvidarse la brillante aportación de este músico al estilo de jazz. Sus innumerables grabaciones –en solitario o acompañante- así lo demuestran. Junto a Freddie Hubbard o Donald Byrd, puede ser considerado uno de los grandes seguidores del “sonido Clifford Brown”. François-René Simón dijo de él: “Pocos trompetistas en la historia del jazz han llevado a un nivel tan alto el dominio del instrumento y del fraseo”.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Introducing 1956
Hank Mobley with Donald Byrd and Lee Morgan 1957

Dizzy Atmosphere 1957
Lee Morgan Indeed! 1957
Lee Morgan Sextet 1957
Lee Morgan vol.3 (1957)
Candy 1958
City Lights 1958

The Cooker 1958
Here's 1960
The Young Lions 1960
Lee-Way 1961
The Sidewinder 1964
Search For The New Land 1966
The Genius Of Lee Morgan 1969
Charisma 1969
Live At The Lighthouse 1971
Lee Morgan 1972
Lee Morgan 1973
The Procrastinator 1978
Tom Cat 1980
Infinity 1981
The Best Of Lee Morgan 1988
The Complete Blue Note Lee Morgan Fifties Sessions 1995

Blue Breakbeats 1998

Standards 1998

CARPETAS del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: Ricardo Pérez Virtanen/mcnbiografias.com

Fotografía: pinterest.com

Carátulas discos: rateyourmusic.com/discogs.com

viernes, 1 de marzo de 2019

ART TATUM

Art Tatum, Jr., conocido artísticamente como Art Tatum, nació el 13 de octubre de 1909 en Toledo (Ohio) y falleció el 5 de noviembre de 1956, a la edad de 47 años, en Los Ángeles (California). Pianista de jazz estadounidense.

A pesar de ser prácticamente ciego llegó a ser uno de los más grandes pianistas del género. Fue un niño prodigio que era capaz de tocar directamente al piano lo que oía en la radio o en las pianolas. Con un oído fuera de la común, Art percibía la más mínima variación de la afinación en un piano. Muchos datos de la vida de Tatum permanecen inciertos o ambiguos: Su fecha de nacimiento, la causa de su ceguera, las inquietudes musicales de sus padres, sus asociaciones con músicos clásicos y su habilidad para tocar como "sideman" (músico profesional de acompañamiento en un grupo o en una grabación). Aún así, una vez escuchada su obra discográfica, es evidente que su inmenso talento le ha convertido en uno de los más grandes pianistas de la historia. Prácticamente cualquier pianista de jazz aún en activo, a sabiendas o no, le debe algo a Tatum, quien en los años treinta transformó el concepto de piano de jazz para siempre. Incluso solistas de otros instrumentos basaron su evolución sonora en los nuevos conceptos que Tatum trajo al teclado.

El crítico, productor y escritor de jazz Leonard Feather lo llamó "el más grande solista de la historia del jazz, sin importar el instrumento". A mediados de los años veinte estudió en la escuela de música de Toledo y actuaba en emisoras locales. El piano como instrumento tenía ya historia de virtuosos, pero ninguno se aproximó a los niveles de aptitud atlética que Tatum desplegaba con tanta naturalidad. Se hizo algo tan natural que a veces él mismo parecía aburrirse de su propia maestría, pasando a toda velocidad por una procesión de marcados contrastes en tiempo y estilo que cambiaban cada pocos compases, bajo una cascada de arpegios que caían como confeti. Su talento al teclado comenzó a ser popular entre los mismos músicos y grandes del jazz como Duke Ellington, Fletcher Henderson y Louis Armstrong, que aprovechaban sus actuaciones en Toledo para pasarse a ver a Tatum en directo.

En 1932 llamó la atención de la cantante Adelaide Hall con quien Tatum realizó sus primeras grabaciones. Tatum mencionó que su mayor influencia había sido Fats Waller, pero según el pianista Teddy Wilson: "El pianista de jazz favorito de Art fue Earl Hines. Tatum compraba todos sus discos e improvisaba sobre ellos. Tocaba e improvisaba sobre la música de Earl... Por supuesto, cuando oías tocar a Tatum, no eras capaz de escuchar nada más que no fuera él. Pero sus ideas las tomó del estilo de Earl, algo que Earl nunca supo". Un momento clave en su meteórico ascenso fue su aparición en un concurso que se celebró en 1933 en el bar Morgan's de Nueva York, en el que participaban además de él, Fats Waller, James P.Johnson y Willie 'The Lion' Smith.

Piezas clásicas del concurso incluían 'Harlem Strut' y 'Carolina shout' de Johnson y 'Handful Keys' de Fats Waller. Tatum triunfó con sus arreglos de 'Tea for two' y 'Tiger rag', en una actuación memorable que fue considerada la última palabra en el estilo de piano stride. James P. Johnson, rememorando la actuación de Tatum, simplemente dijo: "Cuando Tatum tocó 'Tea for Two' aquella noche, creo que fue la primera vez en mi vida que la oi tocada como es debido". Su debut fue histórico porque superó a toda la élite y abanderó el abandono definitivo de la era stride en el piano de jazz. No volvió a ser retado en este estilo hasta que el especialista Donald Lambert inició una rivalidad con él que se quedó en una anécdota. Durante los años treinta visitó numerosas ciudades del país como Los Ángeles, Cleveland, Chicago, Nueva York, y en 1938 se embarcó en el "Queen Mary" rumbo a Inglaterra, donde también hizo giras y permaneció tres meses en el "Ciro's Club", propiedad del director de banda y violinista Ambrose.

En 1941 Tatum grabó dos sesiones para Decca Records acompañando al cantante Big Joe Turner. En ellas estaba incluida 'Wee wee baby blues', un éxito que tuvo repercusión nacional. Dos años después Tatum lideró la primera 'clasificación' que medía la popularidad de músicos de jazz del país, publicada por la revista Esquire. Ese mismo año (1943), pensando quizás que el piano sin acompañamiento tenía una audiencia limitada, Art formó un trío inspirado en el de Nat King Cole con el guitarrista Tiny Grimes (más tarde Everett Barksdale) y el bajista Slam Stewart. Durante el corto período que tocaron juntos, grabaron varios discos de 78 rpm, que muestran la maravillosa interacción que había entre los músicos, y son únicos hasta la fecha.

Sin embargo, el mayor legado de Tatum son sus grabaciones para piano solo. Con un repertorio compuesto principalmente por el Great American Songbook, Tatum mostraba una fluida brillantez técnica y una prodigiosa memoria para crear una biblioteca de obras maestras para piano. La habilidad de Tatum para imaginar y ejecutar ideas complejas e ingeniosas a toda velocidad no tiene parangón en la música grabada. Escuchar a Tatum puede ser una tarea tan emocionante como exigente debido al profundo impacto de sus ideas, sus desvíos armónicos y su extravagante ornamentación.Sus críticos le reprochaban necesitar demasiadas notas para expresar melodías simples. No obstante, sus interpretaciones de 'Yesterdays', 'Begin the beguine' o 'Humoresque', hacen que con sus arreglos de expresividad exuberante, estos clásicos parezcan composiciones distintas.

En su tiempo Tatum fue con diferencia el pianista más virtuoso del jazz, técnicamente perfecto en ambas manos y reconocido por todos. Un día entró en un club donde Fats Waller estaba tocando. Waller se apartó del piano para hacer sitio a Tatum, anunciando "Yo sólo toco el piano, pero esta noche Dios está aquí". Además, el compositor ruso Sergei Rachmaninoff, tras oír tocar a Tatum, declaró que era el más grande intérprete de piano de cualquier estilo. Otras celebridades de su tiempo, como Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein y George Gershwin se maravillaron con el genio de Tatum. Horowitz llegó a comentar que si Tatum se dedicara al piano clásico, él lo dejaría al día siguiente. También el legendario saxofonista Charlie Parker estuvo muy influido por Tatum.

Recién llegado a Nueva York, Parker trabajó fregando platos en un restaurante de Manhattan en el que actuaba Tatum, y escuchó a menudo al legendario pianista. Desafortunadamente, las dos figuras nunca tocaron juntas. Aunque Art fue venerado e idolatrado por la mayoría de sus colegas contemporáneos, cuando apareció el bebop -movimiento en el que no participó- su popularidad descendió bastante. En la década de los cincuenta trabajó con Norman Granz, tanto como solista como formando parte de un grupo de All Stars junto con Benny Carter, Ben Webster, Roy Eldridge, Buddy DeFranco y Lionel Hampton. Los dos últimos años de su vida tocaba habitualmente en el "Baker's Keyboard Lounge" de Detroit, donde realizó su última actuación en abril de 1956. Murió siete meses después, a los 47 años.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Piano Solos (1940, Decca )

The Genius Of Art Tatum vol.1 (Clef Records, 1954)

The Genius Of Art Tatum vol.4 (Clef Records, 1954)

The Tatum Group Masterpieces vol.1 (Palblo Records, 1954)

The Tatum Group Masterpieces vol.2 (Palblo Records, 1955)

The Tatum Group Masterpieces vol.3 (Palblo Records, 1955)

The Tatum Group Masterpieces vol.4 (Palblo Records, 1955)

The Tatum Group Masterpieces vol.5 (Palblo Records, 1955)

The Tatum Group Masterpieces vol.6 (Palblo Records, 1956)

The Tatum Group Masterpieces vol.7 (Palblo Records, 1956)

The Tatum Group Masterpieces vol.8 (Palblo Records, 1956)
The Art Tatum-Ben Webster Quartet (Verve, 1956)
Art Tatum (Capitol, 1956)
The Art of Tatum (Decca, 1958)
The Greatest Piano Of Ten Hall (Verve,1958)
The Incomparable (Verve, 1959)
Art! (Fontana, 1966)
The Tatum Solo Masterpieces vol.2 (/Verve,1975)
20th Century Piano Genius (Verve, 1986)
The Complete Capitol Recording (Affinity, 1986)
Art Tatum's Finest Hour (Verve 2000)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: efemeridesdelamusica.blogspot.com

Fotografía: discogs.com

Carátulas discos: discogs.com

martes, 26 de febrero de 2019

BUDDY RICH

Buddy Rich nació el 30 de septiembre de 1917 en Nueva York y falleció el 2 de abril de 1987 en Los Ángeles (California). Batería de jazz estadounidense representante del swing y del bop.

Hijo de una pareja famosa del vaudeville americano a los cuatro años ya participaba en una comedia musical de Broadway y en 1928 dirigió su primera orquesta. Buddy Rich empezó a tocar la batería en mundo del vodevil como "Traps, the Drum Wonder" cuando tenía sólo 18 años de edad; fue completamente autodidacta y su formación inicial la realizó a través de sus actuaciones en el vodevil, alternando su faceta de músico con la de bailarín y cantante. Más tarde debutó como batería en el grupo del saxofonista y clarinetista, Joe Marsala. Ese mismo año fue contratado por Bunny Berigan y en 1939 después de una breve colaboración con Artie Shaw, ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, en la que permaneció hasta 1942 cuando se cambio a la de Benny Carter. En 1944, una vez licenciado del Servicio Militar, Buddy Rich, se reincorporó a la orquesta de Tommy Dorsey, hasta que en 1946 formó su propia orquesta.

En 1953, una vez que disolvió su grupo, fue contratado por la banda de Harry James. Al unísono, el productor Norman Granz, lo llamaba de vez en cuando para participar en su formación itinerante los "Jazz at the Philharmonic" (JATP). En el seno del JATP, tuvo ocasión de tocar al lado de casi todos los grandes del jazz en distintos y variados formatos. Acompañó a la batería a Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Art Tatum con quien grabó un extraordinario disco a trío en su excepcional serie denominada "Art Tatum Group Masterpieces", Roy Eldridge, y Ella Fitzgerald, entre otros grandes artistas. Una grave crisis cardíaca le obligó a estar retirado de la música durante aun amplio periodo de tiempo, aunque el gusanillo de los palillos, hizo que desobedeciendo los consejos de los médicos, volviera a la actividad formando, primero un pequeño combo y poco después un "All Stars" en una gira de conciertos por Extremo Oriente.

En 1961, volvió a la orquesta de Harry James, con la que estuvo hasta 1966 cuando decidió reactivar su propia bigband. A pesar de que el rock y el pop dominaban la escena musical en el mundo, el no se amilanó y utilizó una formula ya empleada por Woody Herman, de crear una banda formada por músicos recién salidos del conservatorio para hacer él de alma mater de la misma, aportando su experiencia, su solidez y su creatividad en la batería. En sus filas se formaron músicos como Art Pepper, Steve Marcus, Mike Manieri, Danny Hayes y Pat La Barbera, entre otros. Buddy Rich, poseía una técnica perfecta, una inventiva inagotable y estaba dotado de recursos físicos que hacía extremadamente difícil superarle en la batería, a pesar de que se enfrentó musicalmente a baterías de la talla de Elvin Jones, Art Blakey, Gene Krupa o Max Roach. Buddy Rich, fue sin duda uno de los escasos baterías blancos de jazz, que tenían la virtud de poseer el "sonido y el toque negro".

La "Buddy Rich Big Band" está compuesto por 45 miembros: Ben Brown, Bill Wimberly, Bob Magnusson, Bob Martin, Bobby Shew, Buddy Rich, Charles Owens, Chuck Findley, Daniel Collette, Dave Dana, David Lahm, Don Englert, Don Switzer, Ernie Watts, Gerald Chamberlain, Jack Spurlock, James Gannon, Jay Corre, Jim Trimble, Joe Beck, Joe Calo, Joe Romano, John Boice, John Scottile, Ken Faulk, Marty Flax, Meyer Hirsch, Mike Price, Ollie Mitchell, Pat LaBarbera, Quin Davis, Quinn Davis, Ray Starling, Richard Resnicoff, Richie Cole, Rick Stepton, Robert Keller, Robert Yance, Ron Meyers, Russ Iverson, Sal Marquez, Sam Burtis, Steve Marcus, Vince Diaz y Yoshito Murakami.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

Con Charlie Parker:

The Definitive Charlie Parker vol.2

Con Nat King Cole:

Anatomy Of A Jazz Sessions 1971

Con Lester Young:

Coleman Hawkins-Lester Young 1974

Lester swings 1977

Como Líder:

Buddy and Sweets : Buddy Rich & Harry Sweet Edison 1955

The Wailing 1955

Krupan and Rich 1955